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Hace unos días publicaba en este mismo blog la entrada Pagine D’Arte: un proyecto sobre el libro de artista que recogía una explicación general sobre la exposición LIBRI D’ARTISTA ED EDIZIONI A TIRATURA LIMITATA en la que colaboré gracias a la invitación de Eva Figueras, compañera de la Facultad de Bellas Artes (UB). La exposición estaba enmarcada dentro del proyecto Pagine D’Arte, coordinado por Manuela Candini (Academia de Bellas Artes de Bologna) y cuenta con la colaboración de las siguientes instituciones: Academia de Bellas Artes de Bolonia, Academia de Bellas Artes de Brera, Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona y la Facultad de Bellas Artes de la Laguna (Tenerife).

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Vitrina con las obras de la Facultad de Bellas Artes (UB), en la exposición Libri d’Artista ed Edizioni a Tiratura Limitata, en Bolonia. Foto: Eva Figueras.

La participación de la Facultad de Bellas Artes de la UB en este proyecto internacional sobre el libro-arte está coordinada por Eva Figueras, a quien debo agradecer no sólo la invitación a participar en esta exposición, sino la generosidad enviándome fotografías e información tanto de la exposición como de los alumnos participantes. Algunos de estos alumnos han tenido también la amabilidad de enviarme imágenes e información que han hecho posible esta entrada.

Como la propia Eva Figueras resume en un texto titulado “EL LIBRO-ARTE NO ES UN LIBRO DE ARTE, ES UNA OBRA DE ARTE“, que me envía acompañando a las imágenes de la exposición: “A pesar de las diferencias cualitativas que hallamos entre los Libros-Arte a lo largo de la historia y que nos conducen a catalogarlos en diferentes tipologías, todos ellos responden a la misma premisa: ‘El Libro-Arte no es un libro de arte, es una obra de arte’ y, implícitamente, entendemos el Libro-Arte como ‘un artefacto, con mecanismos y resortes conceptuales, más que como el simple soporte de un texto’ (1). Consecuentemente, la autoria de estos Libro-Arte sólo podemos concederla al artista, el cual los concibe como obras de arte en su totalidad. Estos pueden ser únicos o de edición múltiple, generalmente limitada”.

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Vitrina con las obras de la Facultad de Bellas Artes (UB), en la exposición Libri d’Artista ed Edizioni a Tiratura Limitata, en Bolonia. Foto: Eva Figueras.

Figueras recoge en el ya mencionado texto cómo el Libro-Arte cuenta con una larga tradición (2), hasta que se establece como una disciplina autónoma y en un objeto artístico independiente en el s. XX. Ya en pleno s. XXI, Figueras comenta que: “El proceso de producción debe considerarse en segundo orden de importancia para priorizar la idea y el concepto que lo distingue. De esta manera, la accesibilidad, y por ende, democratización de los medios de creación y distribución que la era digital nos brindan un futuro lleno de posibilidades para los Libros-Arte. Y es así como estos nuevos medios deben ser considerados, vistos y adoptados, en pro de la formalización, de la materialización y de la fisicidad del e-Libro-Arte, independientemente de las consideraciones de una, ya no tan emergente, estética digital exclusiva y/o excluyente de estos nuevos medios computerizados”.

 

 


 

(1) Guayabero, Ò. “Poetas artistas”, en Passant pàgina. El llibre com a territorio d’art. Barcelona, Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, 2012. p. 71.
(2) Crespo, B. y Figueras, E. “Primeras aproximaciones y precedentes inmediatos del Libro-Arte / Libro de Artista”, en Mínguez García, H. (coord.) Libro-arte / abierto, México: Universidad Autónoma de Ciudad Juárez, pp. 15-50.

 

A continuación reproduzco algunas de las obras con las que nuestra facultad ha participado en esta muestra, con las descripciones y la información que los propios autores y la ya mencionada Eva Figueras me han enviado (Gracias a todos por la colaboración):

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Sophie’s Project, de Violeta Noy y Ellie Robinson-Carter. Fotografía: Davitt Steed.

Sophie’s Project, de Violeta Noy y Ellie Robinson-Carter, en palabras de sus autoras es: “una exploración de los matices del lenguaje, las conexiones cerebrales y la erosión de la memoria durante las primeras etapas de la demencia a través de un personaje ficticio llamado Sophie. Una de las piezas del proyecto es A Stitch in Time Saves Nine: una novela de bolsillo, donde el diseño y la tipografía del libro reflejan los cambios en la mente de Sophie. A lo largo de la novela, Sophie teje una bufanda y se dirige directamente al lector. La bufanda, el cuerpo de texto y el diseño reflejan el estado de los pensamientos de Sophie”.

Violeta Noy (Barcelona, 1992) y Ellie Robinson-Carter (Lincoln, 1992) colaboran desde que ambas trabajaron en un proyecto común dentro del máster Illustration: Authorial Practice en la Universidad de Falmouth.

Ellie Robinson-Carter estudió una doble licenciatura en Filosofía y Filología Inglesa en la Universidad de York. Actualmente está cursando el segundo año del máster en Ilustración Authorial Practice en la Universidad de Falmouth. Ellie ha expuesto como parte el colectivo In-Between en York con las muestras PLACE y Memory Project.

Violeta Noy estudió un grado en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y un máster en Ilustración Authorial Practice en la Universidad de Falmouth. Recientemente ha participado en el proyecto Perspectives – Art, Liver Diseases and Me, organizado por la Cátedra Arte(Y)Enfermedades, que se ha expuesto en Vienna y Barcelona. También recibió el premio Atlantic Press Graphic Literature Prize y participó en la exposición El llibre en femení: Exposició de Llibres d’Artista i Obra Gràfica en Centre Cultural Sagrada Familia.

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S.O.S. – Saps qui ets?, de Núria Pla Cid, 2015. 21 x 21 cm. Imágenes de Núria Cid.

S.O.S. – Saps qui ets? es una edición de 4 ejemplares de una serie de 3 libros de 16 páginas realizados en impresión digital. En su página web, Núria Pla Cid explica de este modo su obra: “¿Sabes quién eres? ¿Sabes que te ha pasado? ¿Quieres seguir viviendo así? S.O.S. consta de tres partes, cada una de ellas corresponde a una de las preguntas anteriores. Seis estampas de un 1x1m, tres libros de 20x20cm y un audio”.

Núria Pla Cid crea instalaciones y obra gráfica. Como comenta en su página web, habitualmente trabaja con Violeta Noy bajo el nombre de Tàndem. En julio de 2014 se graduó en Bellas Artes en la Universitat de Barcelona. En la actualidad, reside y trabaja en Londres.

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Pausa de pell, de Mercè Galí Sanarau, 2015. Dimensiones cerrado: 13 x 18,5 cm. Dimensiones abierto: 260 cm.

Pausa de Pell, de Mercè Galí Sanarau, es una obra de tiraje único, una litografía sobre papel Somerset book de 300 gr.

Mercè Galí explica que “Pausa de pell” es una pausa forzada por un accidente. Siete puntos de sutura en un dedo la hacen parar y replantearse un proyecto. De este modo, la acción se detuvo pero la mente continúa generando pensamientos y tejiendo nuevas ideas.
Como la autora me escribe: “Els processos de gravat deixen rastre en papers, màcules i matrius. Les empremtes que es generen, són l’element principal d’aquesta peça. Hi ha una voluntat de reflectir el caràcter efímer del gest, el traç d’una acció registrada en un paper. Una empremta generada pel moviment. La repetició d’una mateixa cosa durant un procés seguint unes pautes. Un ritual on el temps és important. Una pausa és un temps de reflexió, de decidir canvis o seguir en la mateixa direcció. És un temps que forma part dels processos creatius”.

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Mare Nostrum, Encarna Romero Ibarra, 2015. Fotografías: Encarna Romero y Eva Figueras.

Mare Nostrum, de Encarna Romero Ibarra representa un mar que, según me comenta la propia autora: “también es el mar que compartimos los artistas de esta expo”.
Encarna Romero Ibarra es Licenciada en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona desde 2008, tiene estudios de dibujo y pintura en “Boter-Santaló” (Barcelona) y una estancia de grabado en “Naranja Calcográfica” (Barcelona).
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Desorden Armonioso Sobre la Mesa, de Anna Revuelto Fernández, 2014. Fotografía: Eva Figueras.

“Desorden Armonioso Sobre la Mesa”, de Anna Revuelto Fernández, según su porpia autora: “explora la cotidianidad con la intención de representar de manera visual y mediante un lenguaje propio una historia doméstica que sucede dentro del espacio privado. En este caso, intento traducir las sensaciones que vivo al enfrentarme a la mesa sin compañía, cuando este objeto está asociado al concepto de reunión done participan diferentes personas”.

“Desorden Armonioso Sobre la Mesa” es en realidad un proyecto más amplio que el libro de artista expuesto, que es una pieza más de todo el conjunto. Éste está formado por 7 postales de 14,5 x 20,5 cm serigrafiadas a mano con tintas de base transparente sobre papel Somerset Satin White de 300 gr/m2. Todas ellas se recogen en un sobre de origami de color gris perla. La obra completa está compuesta también por un grabado de gran formato de 3 x 2 m. y 7 serigrafías de 70 x 50 cm (no presentes en la exposición de Bolonia).

Anna Revuelto Fernández, graduada en Bellas Artes, diseño de tipografía y dirección de arte en 2014 en la Universidad de Barcelona, especializándose en técnicas de grabado, estampación e imagen impresa. En 2013 estudió en la Academia di Belle Arti di Brera gracias a una beca Erasmus, teniendo la oportunidad de experimentar con la litografía tradicional y la creación digital. Este último año 2015 finalizó el Máster en Tipografía Avanzada impartido en la Escuela de Arte y Diseño EINA. Desde 2013 trabaja con la artista gráfica María Pujol en el taller de grabado Manera Negra, situado en Barcelona, realizando obra propia y colaborando en los proyectos del estudio.

Jaque Mate al Rey, de Mariona Mas Rispa, 2013. 21 x 21 cm.

Jaque Mate al Rey” es una obra realizada por Mariona Mas Rispa en 2013, un ejemplar único de 48 páginas realizado en impresión digital. En la página web de Mariona Mas puede leerse sobre esta obra: “Es inevitable, que en la vida nos veamos inmersos en partidas que no hemos decidido jugar. Pero las circunstancias, muchas veces inesperadas, y los vínculos humanos más cercanos, provocan que nos veamos implicados en escenarios y partidas que no dependen de nosotros; se trata de los conocidos daños colaterales. De este modo, nos vemos obligados a vivir y decidir condicionados por las reglas de un juego que limita nuestra libertad. “Jaque mate al rey” presenta mediante la metáfora del juego de ajedrez, una realidad simbólica, que habla de las relaciones y los roles dentro de la familia, y como una muerte puede ocasionar un conflicto donde confluyen relaciones de poder, ambición y avaricia entre todos los miembros del grupo.”

 

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Memòria de l’objecte, de Anna Bruart Royo, 2015.

La obra “Memòria de l’Objecte” está realizada con transfer sobre una mochila por Anna Bruart Royo.

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Madre (Nameless Series 2.0), Xavi Rodríguez Martín, 2015. 43 x 29 cm.

“Madre” (Nameless Series 2.0), de Xavi Rodriguez Martin, es un ejemplar único realizado en serigrafía con diseño y texto realizados a mano y digitalizados después.

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In Loving Memory of my Instagram Pictures, Rebeca Pardo, 2015. 12,4 x 27,5 x 0,8 cm.

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Por último, mi pequeña aportación, “In loving memory of my Instagram Pictures” es una contribución de última hora a la exposición. Es un libro acordeón realizado con papel japón, cubiertas de cartón forradas con seda bordada y fotografías. Es un ejemplar único que consta de una página con 8 pliegues.

Las tapas de seda bordada hacen referencia a los antiguos álbumes de familia, mientras el formato del acordeón trata de reflejar la continuidad del espacio online del contexto original de las imágenes: Instagram. En esa red social hace más de un año que realizo un diario fotográfico que cuestiona el concepto de imagen doméstica mientras juega con los límites de lo público y lo privado, del concepto de familia, y con la relación contemporánea de las imágenes con la identidad y la memoria (sobre este proyecto publiqué en este mismo blog: Diario en Instagram: la fotografía “familiar” o doméstica en la era de las redes sociales). De todas las imágenes del diario seleccioné para este libro-arte las que han obtenido más “me gusta” para dar “cuerpo” a aquellas phonografías (o smartphonografías) que las miradas ajenas han calificado como mejores dentro de mis miradas personales sobre mi contexto más privado e íntimo (todo un cambio social en lo que respecta a lo que exponemos u ocultamos a las miradas extrañas). En el texto, escrito a mano para recuperar ese valor personal de la propia caligrafía frente a la impersonalidad de los comentarios escritos desde ordenadores, tablets y smartphones, se recogen algunos pensamientos de una mente aún analógica sobre el actual consumismo inmediato y con frecuencia irreflexivo de las imágenes, así como el modo en que nos apropiamos de la realidad y de las experiencias de los otros a través de esas imágenes que, sin embargo, caducan de manera inmediata y pasan al olvido del océano binario en el que ni siquiera tienen un soporte matérico que deje constancia de su existencia. Todas estas nuevas prácticas han desdibujado o replanteado la relación de la fotografía con la memoria. Por este motivo, el título “In loving memory of my Instagram Pictures” hace referencia a la caducidad de estas instantáneas y un guiño un tanto irónico a su ¿(in)capacidad? para generar memoria.

 

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