I Jornada Internacional sobre metodología de investigación interdisciplinar


Sé que muchos de los que seguís este blog estáis interesados en temas de investigación artística… así que aquí os dejo información sobre una jornada de libre acceso (me confirman que no se precisa inscripción previa) que tendrá lugar este jueves 24 de noviembre en la Fundació Antoni Tàpies entre las 10 y las 20h. Creo que todas las conferencias serán en inglés.

Este seminario está promovido por el grupo de investigación AGI (Arte Globalización Interculturalidad), en diálogo con la Goldsmiths, University of London, para propiciar una jornada Internacional de reflexión sobre la metodología de investigación interdisciplinar.

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Esta sesión está dirigida a aquellos que estén implicados con la investigación artística (investigadores, doctores, alumnos de doctorado, artistas, comisarios u otros productores culturales) y que trabajen de un modo transdisciplinar, con metodologías de las humanidades y las ciencias sociales.

Pero ¿Qué entienden por “investigación artística”? En la web de este evento se comenta que Simon Sheikh (Goldsmiths College), que impartirá la conferencia inaugural,  propone tres posibles definiciones de investigación artística:
1. La investigación acerca del arte.
2. La investigación entendida como arte.
3. Una forma de investigación “artística”, es decir, estetizada.

Por tanto, a partir de esta referencia a la amplia definición de Sheikh se discutirá sobre las implicaciones y las potencialidades de la investigación artística hoy, contando con la presencia de otros especialistas en estos temas: Luis Guerra (Universitat Autònoma de Barcelona), Carles Guerra (Dr. Fundació Antoni Tàpies), Laura Benítez (EINA), Pau Alsina (UOC), Selina Blasco y Lila Insúa (Universidad Complutense de Madrid), Christian Alonso (AGI, Universitat de Barcelona), María Alcaide (investigadora), Pau Cata (University of Edinburgh) y Gerard Vilar (Universitat Autònoma de Barcelona).

Comentan también en la web de las Jornadas que “Sheikh relaciona el sentido inmaterial del capitalismo postfordista con las prácticas artísticas desmaterializadas y la producción de conocimiento ligada a las universidades. Así, señala la necesidad de reflexionar acerca del sentido político de las instituciones educativas, llamando a transformar estos lugares de producción de conocimiento en espacios para el pensamiento indisciplinado”.

A partir de esta idea, los organizadores de este evento afirman que quieren, a través de conferencias y mesas de discusión, generar un marco de debate internacional en el que se pueda “plantear la jornada como un encuentro en el que poder pensar en colectivo acerca de las diferentes formas de entender el campo emergente de la investigación artística. Más allá del análisis de casos de estudio concretos, el seminario pretende aglutinar propuestas de carácter metodológico y teórico-conceptual”.

Por tanto, este jueves día 24 de noviembre, en la Fundació Antoni Tàpies los participantes de estas jornadas “podrán discutir acerca de distintas formas de plantear el conocimiento en, desde y acerca de las prácticas artísticas y culturales contemporáneas, poniendo en común su trabajo con otros investigadores y con especialistas de prestigio internacional”.

 

Para más información podéis consultar la web: http://artglobalizationinterculturality.com/es/actividades/seminarios/investigacion-interdisciplinar/

Finalista: I Premio Internacional de Libro de Artista homenaje a Joan Brossa


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Imágenes de la exposición en el Arts Santa Mónica, con detalle central de mi libro, compartidas en Instagram

Los que seguís mis andaduras en Instagram o en otras redes sociales ya sabréis que había presentado una obra al I Concurso Internacional de Libro de Artista en Homenaje a Joan Brossa. Lo cierto es que con la epicondilitis aún coleteando… no pude plantearme grandes encuadernaciones ni cosas complicadas, pero me hacía ilusión retomar esa parte más creativa a la que la vida académica habitualmente deja apartada. Hace unos días me notificaron que mi obra estaba entre las finalistas seleccionadas, algo que me hizo muchísima ilusión dadas las cicunstancias en las que preparé el concurso, y que el conjunto de libros de artista presentados podrá visitarse en el Arts Santa Mónica hasta el próximo sábado 30 de octubre… así que si os interesan los libros de artista, las encuadernaciones curiosas o la obra de Brossa: tenéis dos días para acercaros a las Ramblas y visitar la muestra (gratuita).

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Imagen del Arts Santa Mónica: en la parte acristalada de abajo puede verse la exposición. Fotografía compartida ayer en Instagram

En la nota de prensa que me enviaron se informa de que la Comisión Evaluadora del I Concurso Internacional de Libro de Artista en Homenaje a Joan Brossa, compuesta por Vicenç Altaió, Àngels Arroyo, Judith Barnés, Bibiana  Crespo y Antoni P. Vidal concedió el primer premio a Carles Mamano i Bauçà (Barcelona), el segundo a Ferran Cerdans Serra (Santpedor, Barcelona) y el tercero a Vall Palou (Lleida), además de un accesit a Alexandra Garcia Pascual y Victoria Benítez Blanco (Castellbisbal). Felicidades a los tres ganadores: vuestras propuestas me han parecido muy interesantes. Para aquellos que no podáis ir a ver la exposición, os dejo unas  imágenes de sus obras que me han enviado desde el grupo de Investigación Poesia i educació que ha organizado este concurso junto a la Fundació Joan Brossa… y alguna de la mía, que algunos me habéis pedido desde Facebook o Instagram.

Primer premio, Carles Mamano i Bauçà (Barcelona): Breu Tractat sobre la impermanència de l’existència / Breve tratado sobre la impermanencia de la existencia (Técnica mixta, pieza única, 2016), que se centra en un pexpema (SER-RES). El propio artista explica en el texto descriptivo que acompaña a la pieza: “És un llibre d’artista que inclou un pexpema (SER-RES). Els pexpemes són poemes de poques lletres. Per a la seva comprensió resulta interessant consultar el Diccionari de les Lletres (no publicat). A la tardor de 2016 s’ha iniciat una fase de materialització dels pexpemes que tracten de la impermanència de l’ésser. ”

Segundo Premio, Ferran Cerdans Serra (Santpedor, Barcelona): Llibre Dau / Libro Dado (Libro en forma de dado desplegado, impreso con tapones de corcho, escrito a máquina y encolado en madera, Cilindro 9 x 3 cm., Envase 11 x 4 cm. Pieza única, 2016). El autor explica: “Un dau que ha passat, com per les mans d’un mag, de tres a dues dimensions, de tenir volum a un pla, i segueix essent funcional. Penso que a Brossa li hagués agradat (si és que no hi va pensar alguna vegada). Si es vol abandonar a la sort es pot tirar en una taula llarga o bé a terra i l’últim número que es veu sencer entre les dues ratlles negres és el resultat de la tirada. Aquesta tirada desplega tres poemes de Brossa, esfilagarsats entre els números i que donen sentit al llibre, és a dir, li donen una altra dimensió, que podria ser la tercera, però no. Una altra tercera…”

Tercer Premio, Vall Palou (Lleida): La Maleta nº1 (Estampado digital y plantilla, pieza única, 2016, 30 x 20 x 10 cm.). Vall Palou explica: “Maleta que en Brossa va dur, un dia, al Taller Vallirana”.

Accesit, Alexandra Garcia Pascual y Victoria Benítez Blanco (Castellbisbal): 2 poemas i 22 cançons de revolta / 2 poemas y 22 canciones de revuelta (Espray sobre papel, pieza única, 2016). Las autoras explican: “L’obra és una bandera creada a partir de partitures de cançons de la revolució, com ara la Internacional, la Marsellesa…, i plegada per acabar essent un llibre. A la primera i última pàgina hi apareixen els poemes Elegia i Final de Joan Brossa. En cobrir-los de negre fa que s’analitzi la imatge amb més intensitat. No es pretén ocultar les cançons sinó rescatar-les, salvar-les de la seva desaparició. Això significa salvar-les de la destrucció i la ignorància i en se’n fa bandera, se’n fa un llibre. Sembla que es decreti la mort de les cançons però en realitat se les rescata del seu inevitable destí, la desaparició.”

Como ya he comentado, es un placer saber que mi obra está entre las finalistas seleccionadas, junto a las de Marta Aguilar Moreno (Gran Canaria, residente en Madrid), Rosa Eva Campo Bolado (Barcelona), Encarnación Cepedal Velado (Gordoncillo, León), Lola Fernández Corral (Madrid, residente en Mallorca), Roberto Gianinetti (Vercelli, Itàlia), Salvador Martínez Muñoz (Sóller, Illes Balears), Maria Pujol Martin (Barcelona) y Fèlix Sampietro Angas (Terrassa). Os dejo aquí unas imágenes que tomé ayer con el teléfono móvil del resto de libros expuestos y a continuación os hablo un poco más de mi propuesta.

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En mi caso (Rebeca Pardo), la obra enviada lleva por título Kit Barcelona. Derivas brossianas Prêt-à-porter (Técnica mixta:papiroflexia, encuadernación y fotografía. Medidas Estuche: 24,5 x 19 x 8,5 cm.; 2 libros: 15 x 14,5 x 1 cm. y 1 mapa plegado: 15 x 14,5 x 0,2 cm., 2016). Mi libro de arte es un Kit lúdico con una propuesta de deriva (en la tradición de la Internacional Situacionista) por los poemas visuales/corpóreos de Brossa en Barcelona. Las fotografías múltiples y poliédricas muestran que no sólo hay una “lectura” personal de las obras sino que los propios poemas dialogan con sus otros visitantes y con la ciudad (se incluyen también mapas de elaboración propia para poder ubicarlas). En la encuadernación se usa la papiroflexia por el carácter lúdico y alternativo de Brossa, y las hojas en “acordeón” enfatizan la sensación de recorrido visual. El estuche es reciclado también como guiño al poeta.

El resto de participantes en el concurso proceden de diferentes países, con una gran representación de España, Italia, Argentina y Brasil: Misericòrdia Anglès Cervelló (Barcelona), Andreina Argiolas (Cagliari, Itàlia), Jorge Ariel Martí (Buenos Aires, Argentina), Marta Ballvé Moreno (Sant Cugat del Vallès, Barcelona), Manuela Candini (Castel San Pietro Terme, Bologna, Italia), Angela Caporaso (Caserta, Italia), Carme Colldecarrera Ortiz (Sant Feliu de Guíxols, Girona), Liborio Curione (Alimena, Palermo. Residente en Catània, Italia), Carmiña Dovale Carrión (San Sebastián, Guipuzcoa), Jeanete Ecker Kohler (Porto Alegre, RS, Brasil), Gemma Garcia Vilardell (Sant Fost de Campsentelles, Barcelona), Grup Gralha Azul (Coordinadora Maria Caruso, Porto Alegre, RS, Brasil), Amelia Herrero (Buenos Aires, Argentina), IBIRICO (Calalberche, Toledo), Beltran Laguna (Sevilla), Neiva M. Leite (Porto Alegre, RS, Brasil), Francisco Lorente i Jorquera (Sóller, Mallorca), Marcela Makrucz (Caba, Buenos Aires, Argentina), Antonio J. Monterroso Madueño (Peñarroya-Pueblonuevo, Córdoba), Negreira Patricia Ines (Buenos Aires, Argentina), Hilda Paz (Buenos Aires, Argentina), Francesca Poza Cruz (Barcelona), Sergi Quiñonero Ortuño (Barcelona), Franquilandia Raft (Residente en Vila Velha, ES, Brasil), Montse Ribera Turró (Balsareny, Barcelona), Pilar Rosado Rodrigo (Sant Boi de Llobregat, Barcelona), Julia Sánchez Monteis (Barcelona) y Marcos Timoteo Peñalva (Buenos Aires, Argentina).

Aquí tenéis algunos detalles de las obras expuestas y al final el horario + cartel de la expo: felicidades a todos los participantes porque hay libros muy originales e interesantes.

Como he comentado, todos los libros de artista presentados al concurso se exponen en el Espai Residència del Arts Santa Mònia desde el 27 hasta el 30 de octubre (horario: 27-28 de 11 a 21 h. y el 30 de 11 a 17 h.). La entrega de premios ha tenido lugar hoy a las 6 de la tarde en el Auditorio del MACBA. Os dejo también el cartel de la exposición.

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Photogenic Festival: Gràcia, llena eres de Fotografía

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Siento no haberlo publicado ni avisado antes pero… me acabo de enterar de que mi barrio (Gràcia, Barcelona) se llenará de fotografía en los próximos días en la segunda edición del Photogenic Festival… organizado por la Associació Sobreàtic, que se presenta a sí misma como creada por jóvenes profesionales del ámbito de la cultura, el periodismo, la fotografía, el protocolo y la organización de eventos.

¡La “fiesta” comienza mañana mismo! Así que tomad nota porque las exposiciones, así como la mayor parte de las actividades, son gratuitas y hay cosas muy interesantes en la agenda, que también incluye con carácter gratuito una masterclass y varias conferencias (que detallo más adelante); así como  un encuentro titulado DRINK & CLICK para amantes de la fotografía que deseen realizar fotografías siguiendo una ruta por el barrio de Gracia (24/25 de octubre. 18h en el Barrio de Gracia) y un taller infantil titulado CAPTURA & CREA para niños de 8 a 12 años, impartido por Montse Giralt y Adrià Sentís (22 de octubre. De 10h a 13h. En el Institut Français). También será gratuita la entrada hasta completar aforo de unos documentales sobre fotógrafos o fotografía en los Cines Verdi Park (que pongo a continuación ). Hay convocado un concurso en Instagram (del que os hablo más adelante) y, a toda esta programación gratuita, se suman algunos talleres o workshops en los que hay que pagar una matrícula (los encontraréis al final de esta entrada).

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Entre las exposiciones, destacan las individuales de nuevos talentos y de fotógrafos emergentes. Me adelanto a la pregunta que alguien se hará: ¿Cuál es la diferencia entre unos y otros? En este caso (y habitualmente) se considera fotógrafo emergente al que ya ha expuesto su obra y destaca o parece que tiene una proyección de futuro. Mientras que un nuevo talento es aquel que aún se está formando o acaba de finalizar sus estudios y expone por primera vez.

Los fotógrafos emergentes que participan en este festival son: Alessandra Graciela Miranda, Ana Becerra, Ángel García Vicente, Anna Esplandiu, Clara GO, Dani Planas Labad, Felipe Abreu, Emmanuel Borao, Guilherme Bergamini, Laura Van Severen, Pau Guerrero Pardo, Javier Corso y Xisco Navarro Pardo. Aquí os dejo unas capturas de pantalla de sus exposiciones en el apartado “Exposiciones” de la página web del festival:

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Los nuevos talentos de este certamen: Florencia Cazaban, Enric Garay, Anna García, Marina Horowicz, Mauricio León Solorzano, Li Zhiying, Noa Morales, Josep Moré, Samanta Aretino, Ricard Altés Molina, Marta Huertas, David del Campo, Neus Mascarós Martínez, Dani Morán, Marina Ribot Pallicer, Alfonso Riera y Roser Tananbum. Aquí os dejo también unas capturas de pantalla de sus exposiciones en el apartado “Exposiciones” de la página web del festival:

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El festival contará también en Lluïsos de Gràcia con una exposición colectiva de estudiantes de fotografía titulada The very best Of, con los proyectos finales de los alumnos más destacados de centros de reconocido prestigio como Grisart, IEFC y Elisava.

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Imagen de “Still (a) Life”, de Hannah Wolf, linkada desde la página de Elisava, donde presentó este proyecto final de fotografía.

En esta exposición se podrá ver  “Still (a) Life”, de Hannah Wolf (Elisava); “Moloch”, de Livia di Lucia (Grisart); “Desazón”, de Marta Gil Ulldemolins (IEFC); “La Granja”, de Roc Pont (IEFC) y “Desperdicios de identidad”, de Montse Sahuquillo (IEFC).

Como ya sabéis, en este blog yo suelo hacer entradas de los proyectos finales de nuestros alumnos cuando salen de la facultad de Bellas Artes (UB) y creo que hay que apoyar a todos los que comienzan a abrirse camino en el mundo de la fotografía tras haberse formado en este campo porque en un mundo como el nuestro, de fácil intrusismo profesional, yo sigo defendiendo que hay estudiar fotografía, prepararse, aprender las reglas y la técnica… y después si se quiere se rompe con todo,

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Dos imágenes de “Moloch”, de Livia di Lucia. Proyecto final de fotografía de Grisart.

pero habiéndose preocupado previamente por aprender algo, ¿no? Tenemos en este barrio y en esta ciudad grandes escuelas y maestros/profesores, que forman a grandes futuros profesionales y artistas: muchas felicidades a todos los que participan en esta muestra (y a sus profesores) no sólo por exponer sino por haber sido seleccionados por vuestros proyectos finales.

Imágenes de los proyectos finales del IEFC: “Desazón”, de Marta Gil Ulldemolins (izq.); “La Granja”, de Roc Pont (arriba-drcha.) y “Desperdicios de identidad”, de Montse Sahuquillo (Abajo-drcha.).

En el programa también encuentro una EXPOSICIÓN SOCIAL, con la colaboración de La Casa de Carlota (13-27 de octubre, Según horario comercial en Floristeria Muguet y La Pelu de Verdi). De esta expo me explican que los autores son los miembros del propio equipo de La Casa de Carlota: personas con gran talento, además de síndrome de Down y autismo, estudiantes universitarios y diseñadores gráficos. Ellos son los autores de una serie de obras sobre reflejos realizadas en el barrio de Gracia y con ellas han creado nuevos diseños. Aquí os dejo la web de La Casa de Carlota… que ha sido otro gran descubriento de hoy:

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Manel Esclusa, masterclass el 19/10/2016

En lo que respecta a la otra oferta cultural del festival, yo destacaría la masterclass gratuita de Manel Esclusa, en la que se dice que “compartirá sus conocimientos y sus técnicas” (19 de octubre. 19h en Biblioteca Jaume Fuster), así como las conferencias sobre ámbitos muy diferentes de la fotografía por profesionales de esos campos:

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DE TRANQUIS CON COLITA, Conferencia el 19/10/2016.

“¿FICCIÓN O REALIDAD?” del Premio Nacional del Diseño “Peret” (14 de octubre. 19h en Institut Français), la conferencia sobre la fotografía de moda impartida por el diseñador Toni Miró y el fotógrafo de moda Toni Bernad (18 de octubre. 19h en Lluïsos de Gràcia), la conferencia de fotografía musical impartida por Carlos Pericás, fotógrafo oficial de Buena Vista Social Club (21 de octubre. 19h en La Violeta) y la conferencia DE TRANQUIS CON COLITA, a cargo de la propia Colita (19 de octubre. 19h en Casa Gràcia). Los talleres o workshops los podéis encontrar al final de esta entrada.

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Captura de pantalla de la web de Carlos Pericás, que ofrecerá su conferencia sobre fotografía musical el 21/10/2016.

En lo que respecta al concurso de INSTAGRAM, puede participar todo aquel que así lo desee, fotografiando cualquier actividad o localización del festival, para después subir la imagen a las redes sociales junto con la etiqueta (hashtag) propuesta. El concurso tendrá la misma duración del festival (del 13 al 27 de octubre, ambos incluídos) y las fotografías ganadoras serán anunciadas durante la ceremonia de clausura del festival, el 27 de octubre en la Antigua Fábrica Damm. Los ganadores serán premiados con productos cedidos por los patrocinadores del festival.
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Calendario del Festival, según aparece en el dossier de prensa.

En total, en Photogenic Festival se exponen unos 30 proyectos fotográficos de géneros diversos, en otros aproximadamente 30 comercios, locales y centros culturales del barrio de Gràcia, generando una ruta de exposiciones (un poco más adelante tenéis varios planos para que podáis seguir la ruta con facilidad) en un festival abierto e interdisciplinario que inaugurará esta segunda edición mañana, 13 de octubre y estará abierto al público a lo largo de dos semanas. Como los propios organizadores destacan (y yo, como vecina, doy fe) el contexto elegido, el barrio de Gràcia, es el lugar ideal para este tipo de iniciativas dado que si por algo destaca esta zona de Barcelona es por la gran presencia de entidades culturales, talleres de diseñadores y artistas, escuelas de arte y diseño… y yo añadiría que por la gran inquietud cultural de sus habitantes y de quienes se acercan hasta nuestras calles.

Para finalizar, destacar que los organizadores presentan este festival como un conjunto de proyectos y actividades de carácter creativo que tienen la fotografía como eje principal. Según afirman, pretenden crear un ambiente propicio para que mientras se disfruta de estas manifestaciones artísticas se generen cambios, relaciones, se rompan barreras y se de un acercamiento entre profesionales, aficionados y la ciudadanía en general. Como ellos mismos destacan: LA CULTURA ES UN DERECHO DE TODOS Y PARA TODOS. Para conseguir todo esto han movilizado no sólo a las entidades culturales del Barrio (Gràcia) como Casa Gràcia, Lluïsos, Espai Jove La Fontana o La Violeta, sino que también cuentan con apoyos de espacios de dinamización cultural del ámbito infantil y juvenil, galerías y espacios expositivos, escuelas artísticas y fundaciones culturales… además de voluntarios que ayudarán en la coordinación del evento.

Aquí os dejo un plano para que podáis visualizar la ruta que queréis seguir para ver todas estas exposiciones:

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Y para los más aficionados al Google Maps, la organización también ha puesto una ruta a nuestra disposición:

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Felicidades a los organizadores por la gran oferta cultural y fotográfica para estos días: me encanta que, sin conocerme, me lo hayáis organizado en la puerta de casa😉

Por cosas como éstas… Visc a Gràcia!

Nuevas convocatorias: comisariado, proyecto artístico, investigación…


Acabo de subir las últimas convocatorias que me han llegado y, coincidiendo con el inicio de curso académico, aprovecho para comunicaros que hay unas cuantas muy interesantes que podrían ser una buena oportunidad para desarrollar un nuevo proyecto, ampliar vuestra formación o especializaros un poco más.

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Las más recientes que me han llegado han sido las de la Comunidad de Madrid (PROGRAMA DE AYUDAS DE ARTES VISUALES DE LA COMUNIDAD DE MADRID)… aunque para poder optar a ellas hay que residir en esa ciudad:

BECAS DE RESIDENCIA EN EL EXTRANJERO PARA JÓVENES ARTISTAS Y COMISARIOS

XXVII EDICIÓN CIRCUITOS DE ARTES PLÁSTICAS 

I EDICIÓN DE AYUDAS A ENTIDADES CULTURALES PRIVADAS SIN ÁNIMO DE LUCRO PARA LA REALIZACIÓN DE ACTIVIDADES RELACIONADAS CON LAS ARTES VISUALES

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Este mes de septiembre hay varias convocatorias que se cierran. Así, dentro de unos días (el 19 de septiembre) termina el plazo para presentarse al Premio Internacional de Pintura 2016 de la Fundación Focus-Abengoa

y el día 23 de este mes (septiembre, 2016) se cierra también el plazo para el

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IV CONCURSO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA “ALMERÍA, TIERRA DE CINE” (XV FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE ALMERIA -2016) con 1000€ y trofeo como primer premio y un segundo galardón dotado con 600 € y trofeo.

 

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El 25 de septiembre cierra también el plazo el I Concurso Internacional de libro de artista en homenaje a Joan Brossa, que intenta estimular esta modalidad de creación artística en el contexto de lo que podría llamarse (según los organizadores) “poéticas experimentales”, eje vertebrador de las I Jornadas Internacionales de Poesía: archivos, poéticas y recepciones, que tendrán lugar en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) el 27 y 28 de octubre de 2016. Todo esto está organizado por el grupo de investigación Poció. Poesia i Educació , en el marco del proyecto reconocido «La poesía experimental catalana (19592004): características, relaciones internacionales y genéricas, recepción entre los más jóvenes» (FFI201341063P).

Ya en Octubre, se cierran los plazos de presentación para estas convocatorias:

El XVI Concurso de Fotografía 2016, organizado por el Museo Municipal de la Cuchillería, Albacete, cierra convocatoria el 7 de octubre de 2016.

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Las Becas para  la Creación Artística 2016-2017, Fundació Guasch Coranty tendrán abierto el plazo de presentación de solicitudes del 10 al 14 de octubre de este año y pocos días más tarde (el 20 de octubre a las 15:00) se cierra el concurso para alumnos de Bellas Artes en el que las obras girarán sobre el tema: “Importància del diàleg i la comunicació per la gestió de conflictes en establiments de salut” organizado por la Societat Catalana Mediació en Salut (SCMS).

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Por otro lado, también hay una interesante convocatoria de Investigación en el área de Historia del Arte: PREMIO A LA INVESTIGACIÓN EMBLECAT 2016 convocado por la Associació Catalana d’Estudis d’Emblemàtica. Art i Societat y el Reial Cercle Artístic de Barcelona. El objetivo es dar a conocer datos inéditos sobre algún artista que haya formado parte del Cercle Artístic de Barcelona y, por tanto, el tema a premiar en este caso es el mejor trabajo de investigación sobre La proyección internacional de un artista vinculado al Reial Cercle Artístic de Barcelona (La vinculación puede ser como socio, colaborador o corresponsal).

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Ya en Noviembre se cierran las convocatorias del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana

captura-de-pantalla-2016-09-08-a-las-13-53-06365 DIES: CONVOCATORIA DE COMISARIADO PARA UN AÑO (04/11/2016):  para lo que se propone articular acciones que puedan contribuir a optimizar los contextos en los que se desarrolla la creación actual en esa Comunitat.

captura-de-pantalla-2016-09-08-a-las-13-46-05V.O. (14/11/2016): Primera edición de esta convocatoria para comisarios. Según explican los propios organizadores: “Entre los objetivos que persigue el Consorci de Museus está el de contribuir al dinamismo del contexto artístico en la Comunitat Valenciana. Una de sus actuaciones concretas en este ámbito es el apoyo a comisarios y comisarias para dar a conocer propuestas innovadoras en el campo de las artes visuales, así como apoyar su desarrollo en el terreno profesional”.

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Escletxes (14/11/2016): Con esta convocatoria de apoyo a la investigación y a la producción artística, el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana comenta que pretende: “impulsar la creación artística y fortalecer el tejido cultural valenciano”. Según explican: “La iniciativa va dirigida a artistas y a colectivos ligados a la creación contemporánea, que presenten propuestas que estén en vías de investigación y requieran de un impulso para su producción, debiendo tener como objetivos la experimentación e innovación en el ámbito de la creación artística”.

Por último, las becas STEP Beyond Travel grants,dirigidas a artistas y trabajadores culturales emergentes con el fin de explorar e intercambiar puntos de vista, conocimientos e inspiración… que no tienen plazo cerrado de solicitud.

Si alguna de estas convocatorias te interesa puedes buscar más información, bases… en la página de convocatorias de este blog. Espero que consigáis muchos premios, becas y, sobre todo, que este tipo de convocatorias os animen a seguir en este complicado mundo de la creación, el comisariado y/o la investigación en el contexto artístico.

Como dicen que dijo Picasso: “Cuando llegue la inspiración, que me encuentre trabajando“…

 

 

 

 

 

Composición y narración, nuevo seminario

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Hola a todas y a todos,

¿Cómo ha ido el verano (o cómo va el invierno para todos aquellos que me seguís desde otras latitudes)? Espero que lo hayáis disfrutado (espero que alguien aún siga en ello). Yo regresé ya hace días, pero he tenido unos días complicados poniendo al día demasiadas cosas.

Tras 3 congresos en Inglaterra y Brasil este verano, y aún arrastrando las limitaciones de mi epicondilitis, espero poder poner también al día este blog explicándoos algunas cosas de los congresos, de nuestro grupo de investigación e incluso de algún descubrimiento realizado en los viajes de estos últimos meses (de hecho, ya he ido actualizando las convocatorias y la agenda).

Pero de momento, sólo quiero saludaros, deciros que este blog sigue en activo y espero que recupere su ritmo en cuanto consiga dejar atrás la epicondilitis. Por otro lado, para mí es un placer, un año más volver a tener un seminario en el Espai Fotogràfic F.Català-Roca de Golferichs.

Ya sabéis que habitualmente trabajo y colaboro con Montse Morcate (que es una de las personas que está al frente de este estupendo espacio para la fotografía en Barcelona) y, por tanto, aunque tenga un año complicado y cada vez menos tiempo libre… siempre será un placer colaborar con el Espai mientras eso siga siendo la excusa para poder volver a verlas a ella, a Maribel Mata o a Andrea Vanzulli. Además de que sea un privilegio poder colaborar con un centro de fotografía capitaneado por profesionales del medio (y permitidme resaltarlo: ¡y mujeres!), es un lujo también tener enfrente a los usuarios de este espacio porque siempre son personas inquietas, muy motivadas y tremendamente interesadas y activas en las sesiones.

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El curso se titula “Claves de la composición y la narración: un recorrido por la historia de la fotografía” y será eminentemente teórico, aunque en ediciones anteriores de este seminario algunos asistentes se han animado a poner en práctica los contenidos y compartir en las sesiones sus propias imágenes, que comentamos encantados.

Por lógica, hablaremos de composición y narración, y lo iremos ilustrando con fotografías clásicas y contemporáneas con las que también podemos analizar cómo han cambiado tendencias y modas en este ámbito. No son necesarios conocimientos técnicos ya que este tipo de seminario es perfectamente útil para mejorar incluso las fotografías que hacemos con el teléfono móvil. ¿De qué hablaremos exactamente? De aspectos como el formato (que no tiene por qué ser necesariamente rectangular o cuadrado), del encuadre y el reencuadre (incluso dentro de una misma fotografía), del punto de vista y la perspectiva… y obviamente también de los temas claves de la composición fotográfica como la proporción áurea, la ley de los tercios, la mirada, la dirección, las líneas, la escala… y también del color y el contraste (y cómo estos pueden transformar el mensaje transmitido por las imágenes). Por último, pero no menos importante, veremos cómo el orden y la organización de una serie fotográfica es importante (ficción, documental o reportaje): una fotografía puede cambiar su tono e incluso su significado dependiendo de aquellas que la rodeen, pero también del orden que ocupe dentro del conjunto.

En total serán 6 sesiones de 2 horas, que tendrán lugar los miércoles de 19:00 a 21:00, del 19 de octubre al 23 de noviembre de este año (2016) en el Espai Arenes (Llança, 21). Os dejo el link al curso.

¿Qué os parece? ¿Interesante? ¿Os animáis a venir a discutir conmigo un poco (porque al final, cada año, tenemos apasionantes y apasionadas discusiones sobre alguna imagen o sobre algún concepto)?

Me comentan del centro que este próximo lunes, 5 de septiembre, comienzan las inscripciones… así que tenéis el fin de semana para decidir que os Inscribís.

Para mí será un placer conoceros y compartir con vosotros buenos momentos fotográficos.

Y si no es composición lo que necesitáis en vuestras vidas, sino otro tipo de cursos: mirad el resto de la oferta formativa del Espai Fotogràfic F.Català-Roca, porque me consta que todos los cursos y los profesionales que los dan son muy, muy, muy interesantes. Aquí os dejo los links (los copio de la web del centro y, por tanto, están en catalán):

Aprèn i practica amb la teva càmera: Coneixeràs les funcions bàsiques de la teva càmera i aconseguiràs millorar les teves fotografies. Inscriu-te

Tècniques bàsiques de la fotografia: coneixement de la càmera: Aprendràs a fer servir les funcions manuals de la teva càmera i milloraràs la teva tècnica fotogràfica. Inscriu-te

Tècniques bàsiques de la fotografia (2n nivell): llenguatge i tècnica fotogràfica: Continúa millorant la teva tècnica fotogràfica i aprofundeix en la teva capacitat expressiva. Inscriu-te

Sortides fotogràfiques amb poca llum: Posa en pràctica els teus coneixements de càmera mentre gaudeixes de sortides en grup per la ciutat. Inscriu-te

Fotografia amb el mòbil i la tauleta: Descobreix les possibilitats de la càmera del teu mòbil o tauleta, i quines són les millors aplicacions per obtenir-ne el màxim profit. Inscriu-te

Iniciació al laboratori en blanc i negre: Aprèn a revelar i fer còpies fotogràfiques analògiques en blanc i negre. Inscriu-te

Laboratori color: Aprèn a revelar i a fer còpies químiques en color. Inscriu-te

Iniciació al Lightroom: Coneix aquest programa imprescindible per a millorar les teves fotografies. Inscriu-te

Iniciació a la il·luminació d’estudi: Introdueix-te per primera vegada a l’estudi i aprèn les tècniques d’il·luminació. Inscriu-te

Fotografia documental: elaboració i difusió d’un projecte: Comença el teu projecte de fotografia documental. Inscriu-te

Autoedita’t: maquetació i impressió de projectes: Els recursos necessaris per autoeditar els teus projectes i idees. Inscriu-te

Organitza i gestiona les teves fotografies digitals: Les claus definitives per organitzar els teus arxius digitals. Inscriu-te.

¡Buen fin de semana a todos!

Cierre de “Tiempo atrás”: LA exposición fotográfica de Bellas Artes (UB)

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Tal y como prometí, una nueva entrada para cerrar la expo que tenemos estos días en BB.AA., en la Universitat de Barcelona, con el material que me han hecho llegar algunos de los compañeros que faltaban. En entradas anteriores os expliqué mi aportación (Legados familiares: entre el libro-objeto, el relicario y el álbum de familia) y la de gran parte de mis compañeros (Tiempo atrás: LA exposición fotográfica de Bellas Artes (UB)). Ahora despido la muestra con las imágenes de 5 compañeros más. Gracias a todos los que me han ido enviando información para que pueda compartirla en este espacio. Espero recuperarme pronto de los problemas para escribir y pueda volver a escribir largo y tendido sobre fotografía en este blog. Mientras tanto, os dejo con sus imágenes y sus palabras…

Phôleos, Israel Ariño y Ramón Casanova

Una de las 12 imágenes de “Phôleos”, Israel Ariño y Ramón Casanova, 2014. Imagen directa sin cámara. gelatino-bromuro de plata. 120 x120 cm. 12 originales 30 x 40 cm. c/u

 

 

“Phôleos”, explican Israel Ariño y Ramón Casanova: “es un término del griego clásico, literalmente “guarida de animal”, utilizado por paralelismo para designar los espacios en que se propiciaban unos particulares rituales de sanación a través de la imagen.
Estos rituales, dirigidos por los phôlarchos, se fundamentaban en el recogimiento del enfermo en el espacio angosto y oscuro del phôleos; allí permanecía en incubación hasta agenciar una visión que equilibrara sus imágenes y le indujera a la curación.
En nuestra reproducción del fenómeno, fueron la noche y el lecho del río Cabe quienes garantizaron el recogimiento y la gestación de las imágenes. No usamos cámara, sino que nos adentramos en la cámara. No usamos lente, sino que introdujimos el papel fotográfico en el cristalino del río. Las imágenes resultantes son a la vez definitivamente inmediatas y remotas. Por un lado obedecen a la carnalidad del río, son la sumersión en su materialidad. Por otro lado, bien sea por correlación o por equivalencia, nos transportaron al firmamento que esas noches brillaba sobre el río.

Nuestros diferentes espacios y realidades se equilibraron en una visión. Nosotros, los zapateros, los peces, los sedimentos conllevados por el río, las estrellas, flotamos conjuntamente en el universo de la imagen”.

Israel Ariño (Barcelona, 1974) es Licenciado en Bellas Artes por la UB, técnico del Laboratorio de fotografía de nuestra facultad, co-responsable de la editorial de fotografía Ediciones Anómalas, fotógrafo de amplia y reconocida trayectoria, representado por la agencia VU (Paris).
Ramón Casanova (Monforte de Lemos, 1974) es Doctor en Bellas Artes por la UB con la tesis “La Epifania de la Imagen. El proceso fotográfico como paradigma de la creación.”, es fotógrafo, profesor de nuestra facultad y del IEFC.
Israel Ariño y Ramón Casanova me aclaran que “se conocieron en el siglo pasado, en el taller “Pintura y Fotografía” coordinado por Laura Gonzalez (que incluía una deliciosa conferencia de Mariano Zuzunaga)”. Desde entonces me explican también que han colaborado en proyectos como: “Camera Obscura” en la Virreina centre de l’imatge, “Transformare” en el Museo Frederic Marès, “Sotto Luce” en el MNAT o “Et in Arcadia” en el British Museum.

 

Fotografías de Pere Grimau, Enrique Carbó y Mariano Zuzunaga en la exposición de la sala de BB.AA. de la UB

Una de las imágenes expuestas por Pere Grimau.

Pere Grimau, comenta sobre su trabajo: “Mis fotografias quieren mostrar el paisaje cercano y con su imagen contribuir al reconocimiento de nuestro humilde lugar en el mundo. Mirar y remirar, fotografiar insistentemente un entorno banal, pero no por eso menos digno, es para mi una actitud, un acto de resistencia. Llevo más de 15 años fotografiando un territorio recorrido a pie y los cuatro proyectos que presento en este dossier remiten, en el fondo, a una misma idea: desvelar principios de belleza, de dignidad, en el paisaje que hay en la puerta de casa. Me anima la convicción de que cualquier día descubro el secreto de nuestra existencia, seguro que será al doblar la esquina”.

Pere Grimau, fotógrafo y licenciado en Bellas Artes por la Ub, es también profesor de fotografía en esta misma facultad y mantiene un perfil en Instagram que da claras muestras de su trabajo más urbano y actual: @peregrimau_bcnsuburb

Who are you?, de Alfonso de Castro.

Alfonso de Castro me envía también un texto de presentación de su trabajo “Who are you?” escrito por Maricló (Buenos Aires, 2015) para la presentación de su última exposición, que comparto con vosotros:

“Se me ocurren un par de cosas. ¿Hace falta ponerle palabras? Me gustan los libros de fotos que no me hablan. Porque si no es así, es como querer prevenir al que va abrirlo, de cómo realmente se debería ver según el limitado criterio del que por fortuna o desgracia tuvo a disposición el material antes que uno, o peor, develar algunos misterios, y eso si el que escribe acertó a descubrir alguno, de ese modo vulnera el derecho supremo del que mira a encontrarse con lo que puede, a imagen y semejanza de lo que es. Siendo casi prescriptivo, se convierte en definitiva en casi inmoral , ¿no?.

Yo pienso que tus fotos siempre tienen algo de teatral, pero si tuviera que emparentarlas lo haría con El teatro de la crueldad, de Artaud. Una galería de personajes curiosos que hasta donde yo recuerdo prometían un movimiento por fuerza imposible , algo que no sucedería nunca y sin embargo su condición era urgente. Bueno, si no era exactamente así, mi recuerdo lo embelleció , quizá , un poco, pero hace 28 años era algo estimulante y espectacular para mí. Por otro lado el goce sin placer, el otro como cosa, la perversión, la adicción (eso que no se puede decir, que se actúa), lo siniestro, un poco de lo de todos, de todos los días. Un poco más allá , la fuerza del ejecutor, vos, omnipresente, omnisciente, al que le entrego mi fe porque produce marca, ¡evidencia?, pero que es verdaderamente poderoso e inquietante porque no está ( como el mago de Oz , salvando distancias) porque no lo veo, después puedo sospechar que es un señor diminuto que no se condice con lo fastuoso de su reino, con miedos y mediocridades o un cínico que se ríe de nuestra credulidad , inocencia, buena fe ocultándose de modo tal que solo nosotros no lo veamos, porque él sabe que estamos ahí no pudiendo dejar de ver lo que no queremos ver y lo goza. Si yo advierto eso, cuando lo atrapo es donde me provoca hilaridad y con mi mejor porteñidad diré ¡qué hijo de puta!, pero en el buen sentido. Nada, eso”.

Alfonso de Castro, es fotógrafo, licenciado en física, Doctor en BB.AA. y profesor de fotografía en la factultad. Su obra, como se explica en el blog Street shooters: “se especializada en el retrato, la fotografía de desnudos y documental. Trabaja principalmente (pero no exclusivamente) con cámaras de gran formato. Alfonso también se especializa en la fotografía del siglo 19 y tiene un gran interés en los procesos de impresión alternativos, incluido el platino, el paladio, Van Dyke y cianotipo. (…) Su trabajo ha sido influenciado por varias importantes tradiciones fotográficas, incluyendo fotografía de calle, retrato clásico y nuevo documental, sino que también ha sido influenciada por importantes fotógrafos de la historia de la fotografía, así como fotógrafos contemporáneos como Ricard Terré, W. Eugene Smith, Garry Winogrand y Diane Arbus. Su punto de vista actual de la fotografía se resuelve alrededor de la idea de “exceso” y su inextricabilidad de pensamiento más amplio sobre la fotografía”.

Memoria de cantera árbol Nº 2, Enrique Carbó

Por otro lado, Enrique Carbó (de quien ya hablé en la entrada anterior) me ha hecho llegar un pequeño texto sobre su obra, que reproduzco a continuación, porque me parece interesante para complementar la visión de la anterior entrada:

“Memoria de cantera
Hace unos años había en Jaca un jardinero que todo el mundo
decía que era muy bueno. Debía ser porque cumplía su trabajo con
esmero. Se cuidaba del Paseo de la Cantera y lo mantenía con
cariño y mimo. A mí me intrigaba el nombre del paseo; lo anduve
muchas veces, examiné el talud sobre el que se asienta el parque
desde la otra orilla del Aragón pero nunca vi la piedra de la cantera.
Sólo tierra y la grava que trae el río.

Una amiga, la que me habló del jardinero, bióloga, me aclaró mis
dudas: el paseo se llama así porque “va por el canto” del talud. Y
me contó que el jardinero decidió que los árboles más antiguos,
cuya sombra habían disfrutado los abuelos de la ciudad, se
merecían acabar con dignidad: cuando morían, ya sin hojas,
cortaba las ramas que pudieran caer y dejaba los troncos como si
fueran monumentos.

Un año los fotografié todos a la luz de las farolas. Al examinar los
negativos resolví que algunos se podían mejorar. Al año siguiente
ya no estaban; alguien había ordenado cortarlos al ras. De ahí el
nombre de la serie”.

Enrique Carbó

… Y con esto despedimos una exposición que ha conseguido reunirnos a todos y que ha dado una visión general y de conjunto de lo que hacemos… aparte de intentar enseñar fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universitat de Barcelona.

 

 

Tiempo atrás: LA exposición fotográfica de Bellas Artes (UB)

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Hace unos días se inauguró T I E M P O  A T R Á S (fotografiar desde atrás), la exposición de fotografía en la que participo junto a todos los compañeros de la Facultad de Bellas Artes de la Universitat de Barcelona (en la sala de exposiciones de la facultad) que tienen obra fotográfica (profesores y maestros de taller).

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Imagen compartida en mi Instagram (@rebeca_pardo_) el día de la inauguración

En primer lugar hay que agradecer al Dr. Mariano Zuzunaga no sólo por tener la iniciativa de organizar esta exposición, sino también por haber tenido la paciencia, la habilidad y las dotes de gestión para conseguir hacer pleno: nos ha reunido a todos y eso, en los tiempos que corren, con gran parte de los compañeros desbordados por el trabajo, es todo un logro. Como ya le dije el día de la inauguración y quiero también repetir públicamente: es un logro tuyo Mariano, eres un artista en todas las dimensiones de la palabra… pero, como tú dirías… “sin exagerar”.

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Y dicho esto, con nuestro catedrático (Dr. Manolo Laguillo) a cargo del texto introductorio, que adjunto como imagen a continuación, y con todos los demás compañeros encantados de compartir la aventura… la inauguración fue un éxito, con abundantes visitas de alumnos que, imagino, estaban ansiosos de poder ver, ¡por fín!, qué hacemos nosotros que tanto criticamos sus obras (¡qué peligro! Ja, ja, ja). Está bien que se hagan estas cosas, que los fotógrafos/académicos/investigadores… saquemos a la luz nuestras imágenes y en una simple visita a la sala de exposiciones de la facultad sea posible saber en qué líneas están trabajando los profesores y maestros de taller de la facultad.

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Aprovecharé el espacio de este blog para presentaros a mis compañeros y sus obras ya que mi aportación ya la desarrollé hace un par de días en la entrada Legados familiares: entre el libro-objeto, el relicario y el álbum de familia, que está teniendo muchas visita: mil gracias por vuestro interés. Estas son las piezas que expongo y que explico detalladamente en el otro post.

En estos momentos no tengo imágenes ni textos de todas las piezas expuestas (y por la epicondilitis no puedo pasar mucho tiempo escribiendo por orden de mi médico: el realidad ella preferiría que no hiciera más que reposo)… así que comienzo con las que tengo y si el resto de mis compañeros me envían imágenes y textos en los próximos días: ya haré otra entrada con lo que quede. Disculpad que recurra a los textos de otros y a las citas, pero no puedo recargar mi brazo y este tipo de cosas me facilitan el trabajo.

Allá vamos…

 

PARACAS, MARIANO ZUZUNAGA

Permitidme que comience por Mariano Zuzunaga, fotógrafo, músico, profesor… y creo que muchos diríamos que tiene una importante veta de filósofo. Como explica brevemente Photolounge : “Nace en Lima, 1953. Es fotógrafo y pianista. Vive y trabaja en Barcelona. Profesor de fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Obras suyas se encuentran en las colecciones de MoMA, del Macba, y de la Bibliothêque Nationale de Paris ente otras. Es autor de “El territorio Fotográfico” y de “El Fotógrafo y la Fotografía”. Miembro fundador de The Photographer+s Company. Desde 1980 en que la Fundación Joan Miró de Barcelona dedicara una exposición a su obra, ha expuesto en inumerables ocasiones tanto en América como en Europa.

Zuzunaga nos presenta su trabajo con estas palabras: “Hay quienes se interesan por la post fotografía como si de su devenido porvenir se tratara cuando en realidad lo fotográfico es y seguirá siendo el gran fecundador del pasado, no porque lo evoque sino porque genera un presente desneurotizado que proyecta un futuro real que podemos contemplar”.

 

DUELOS, MONTSE MORCATE

Como destaca Montse Morcate cuando explica su obra: “El duelo no tiene imágenes porque la muerte se las arrebató” (en este mismo blog puede leerse sobre esta artista Montse Morcate: Duelo y fotografía post-mortem) . Concretamente, para hablar de las imágenes que nos ocupan, la autora comenta:

“El proyecto “Duelos” toma el proceso de duelo y se adentra en su compleja definición, haciendo hincapié en su difícil generalización y catalogación. Mediante la serie, se muestran duelos e historias diversas, evocadas en espacios que conectan con la pérdida y la ausencia vivida por cada uno de los protagonistas. Los dolientes se convierten de este modo en los supervivientes olvidados tras la visita de la muerte, que a pesar de pasar por sus vidas sin tocarlos quedaron impregnados de ella.

La construcción específica de imágenes fotográficas que expliquen y den visibilidad al duelo sirve como vehículo para poner de manifiesto la ausencia de imágenes que muestren este doloroso tránsito, generalmente oculto y negado por la sociedad contemporánea. El propio duelo se convierte en un fantasma, una presencia que acompaña al doliente por un tiempo que parece eterno pero que sabe de la presión exterior para terminarlo con rapidez y volver así a la normalidad lo antes posible, sin hacer demasiado ruido, sin molestar.

El trabajo pretende construir imágenes que definan esta difícil etapa utilizando el ramo funerario como símbolo. Aquí, el ramo se descontextualiza y pasa a ser el narrador de una historia individual de pérdida que se construye mediante su ubicación en un entorno específico y el texto que le acompaña en su cinta, confesando los pensamientos y sentimientos escondidos al espectador. El breve texto que acompaña a cada ramo pretende sugerir la gran variedad de sentimientos, pensamientos y sensaciones, muchas veces contradictorios y difíciles de compartir por miedo a no ser comprendidos, que se generan en el doliente tras una pérdida.

La serie fotográfica permite que con cada ramo, con cada historia, se haga visible la presencia inmaterial de la pérdida, ese fantasma que es el duelo y que llena la mente del doliente apareciendo en cada pequeño detalle de la vida cotidiana, en cada rincón del entorno”.

Montse Morcate, especialista en el tema de las imágenes del duelo y la muerte o la fotografía postmortem, es Licenciada y doctora en Bellas Artes. En la actualidad, es profesora de fotografía en la UB, trabaja en el Espai de Fotografia Francesc Català-Roca de Golferichs (donde se encarga no sólo de dar clases sino también de comisariar y organizar las exposiciones y las actividades relacionadas con la fotografía que se realizan en este conocido espacio cultural de Barcelona), traduce libros de fotografía y hace obra y la expone. La Doctora Morcate ha publicado varios artículos, como Duelo y fotografía post-mortem. Contradicciones de una práctica vigente en el siglo XXI, o el más reciente: “Illness, death and grief: the daily experience of viewing and sharing digital images” (a cuatro manos conmigo) publicado en el libro de Routledge Digital Photography and Everyday Life: Empirical Studies on Material Visual Practices editado por Edgar Gómez Cruz y Asko Lehmuskallio. Juntas preparamos y trabajamos en el Proyecto: “Compartiendo el dolor y el duelo online” que fue uno de los 5 seleccionados y financiados por las Ayudas Fundación BBVA a Equipos de Investigación Científica (2015-2017).

 

PARQUE NACIONAL DEL TEIDE, Ma. DOLORS TAPIAS

MD Tapias

Parque nacional del Teide, Ma. Dolors Tapias

Ma. Dolors Tapias me comenta:Los Guanches denominaban Echeide al volcán que hoy conocemos como Teide. Creían que en su interior vivía Guayota, personaje maligno que, cuando estaba enojado, vomitaba violentamente materias procedentes del interior del volcán a la superficie terrestre. Estas fotografías pertenecen a un trabajo iniciado en el 2012 en el Parque Nacional del Teide en el que, como viajera por esa geografía, quise observar los efectos de la furia volcánica en distintas zonas del parque”.

Dolors Tapias es también Doctora en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona con la tesis: “Barcelona, blanc i negre” de Xavier Miserachs y el reportaje urbano en los años 60. Es profesora titular de fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universitat de Barcelona y de La Laguna. Desde 1991 imparte cursos de doctorado y dirige tesis doctorales de investigación en fotografía, cine y artes visuales. De hecho, ha dirigido las tesis doctorales de Montse Morcate, la mía y la de Ricardo Guixà y es firme defensora de la investigación desde la creación. Es miembro del Grupo de investigación GRACMON (Grup de recerca en Història de l’Art i del Disseny Contemporanis) y fue Investigadora del Proyecto On Riu Llobregat, 2008-2011. Ha realizado cursos, seminarios y conferencias sobre fotografía. Entre otros cargos ocupados en la facultad, ha sido Jefe de Estudios de la Facultad de Bellas Artes y Directora del Departamento de Diseño e Imagen. Miembro del Consejo de Edición del proyecto expositivo Laberinto de Miradas (Fotografía Documental Iberoamericana) <http://www.laberintodemiradas.net/>.

 

DÍPTICOS ESCALERAS, MANOLO LAGUILLO

Manolo Laguillo es catedrático de la Universitat de Barcelona, estudió Filosofía y Letras y es también doctor en bellas artes por la Universidad de Barcelona. Ha publicado varios libros, realizado numerosas exposiciones y comisariando también otras. Hay obra suya en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, en el MACBA y en el MNCARS.

Manolo Laguilllo, según explica brevemente la web del MACBA: “Manolo Laguillo, nacido en Madrid en 1953 y afincado en Barcelona, ha llevado a cabo varios trabajos fotográficos sobre esta ciudad. A caballo del documentalismo y la subjetividad poética, ha documentado los procesos de transformación urbana y arquitectónica de Barcelona desde 1978 hasta la actualidad. Durante más de tres décadas ha dado protagonismo a los paisajes urbanos habitualmente ausentes de la representación: las zonas periféricas, las áreas industriales, los polígonos, etc. Sus publicaciones, en los años ochenta, fueron pioneras en el Estado español en lo que se refiere a la técnica fotográfica de medición de la luz a través del sistema de zonas”.

 

SPIRALS & FILMS, ALEYDIS RISPA

Spirals &amp;Films 25, 2014

Spirals & Films, 2014, Aleydis Rispa

La propia Aleydis Rispa me comenta sobre su obra: “En muchos de mis proyectos he fotografiado objetos y artefactos en desuso, en algunos casos auténticos desechos rescatados “in extremis” de la basura. En Spirals & Films he utilizado espirales para revelar película y negativos que, aunque no están en desuso, avanzan lentamente hacia su extinción funcional. Desde el verano de 2013 investigo las posibilidades plásticas de la cianotipia haciendo fotogramas con la luz del sol”.

Aleydis Rispa, Sort (Lleida, 1964) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona en la especialidad de Imagen. Desde el año 1989, en que ganó el Premio de Fotografía de la Bienal de Jóvenes Creadores Europeos del Ayuntamiento de Barcelona, entre otros, ha expuesto y publicado regularmente su obra. Entre sus últimas exposiciones individuales destacan Planetas y Estrellas, en la Fundación Joan Miró de Barcelona, Le Grand Bleu en Golferichs-el Xalet, o Frozen Fishfood en la galería Esther Montoriol, Barcelona. Y entre las colectivas descatan, Intimidad/Extimidad en la galería Juan Naranjo, Vincles i referents i Un mirall buit en la galería Esther Montoriol, y Chiaroscuro en Kowasa Gallery, en Barcelona. Sobre Aleydis Rispa hay un par de entradas previas en este mismo blog: Aleydis Rispa: la fotografía sin cámara de apocalipsis, bestiarios, caos y extinciones… y La representación contemporánea de la maternidad.

 

Ricardo Guixá

Vanitas Schlieren, 100 x 133 cm. Ricardo Guixà, Barcelona, 2010.

 

Ricardo Guixà me explica esta Vanitas Schlieren con estas palabras (la cita es larga, pero creo que merece la pena… y como ya sabéis: con una epicondilitis que cuidar, no tengo más remedio que aprovechar todo lo que puedo la generosidad de mis compañeros al enviarme sus propias explicaciones de sus obras):

 

“Esta obra nace de la confluencia de los dos temas preferentes que dominan mi investigación plástica: la representación simbólica del paso del tiempo desde una perspectiva metafísica,  y la visualización de lo invisible mediante técnicas de fotografía científica,  en el campo extendido de la creación plástica.

Esta serie se encuentra formada por bodegones de inspiración barroca  que retoman desde una perspectiva contemporánea el tema de la “vida tranquila” o “vida silenciosa”, asociada al género pictórico de “Vánitas” holandés  y español. Un estudio de los interrogantes filosóficos fundamentales que plantean la vida consciente a través de la percepción óptica y la representación visual procurada por la cámara fotográfica.

La principal novedad de esta nueva mirada a un tema ya clásico es la introducción de técnicas de fotografía científica, que permiten traspasar la capacidad de visión del ser humano gracias al poder de la cámara y los materiales fotosensibles, llevándonos más allá de lo visible, poniendo de manifiesto los límites de nuestra percepción visual, dando un nuevo significado a la idea de fugacidad y fiabilidad de la información proporcionada por la vista, y por extensión de la vida material.

Para este propósito se aplican diversos procedimientos usados habitualmente en la investigación científica, tales como la fotografía de alta velocidad,  la fotografía “schlieren” , la sombragrafía directa -mediante las que se visualizan ópticamente las variaciones de los índices de refracción del aire provocados por el calor o por una onda expansiva-  y la fotografía infrarroja y ultravioleta, que facilita una imagen de radiaciones fuera del espectro visible del ojo humano.

Con este mismo ánimo de visualización de lo invisible, en algunas de estas fotografías convergen  diferentes dimensiones temporales. Imágenes, o series de imágenes, en las que se superpone el tiempo condensado de varias semanas asociado a procesos extremadamente lentos para nuestra visión, como unas flores marchitándose, con instantes detenidos mediante las técnicas arriba mencionadas.

De forma complementaria, para dotar de una mayor fuerza simbólica e impacto visual, a las tradicionales frutas y flores frescas en la plenitud de su lozanía, y otros elementos como huesos y objetos matemáticos de fuerte carga conceptual,  se incorporarán animales e insectos vivos, pompas de jabón flotando en el aire, una vela encendida, , elementos dinámicos que la cámara capta con aparente facilidad durante una breve fracción de segundo, evidenciando  una de las cualidades más sorprendentes y significativas del medio fotográfico: la suspensión del transcurso temporal, esencia del vánitas Barroco.

De esta manera, las fotografías de esta serie actualizan por medio de la moderna tecnología fotográfica el propio concepto de instantaneidad, inevitablemente vinculado a  los “stilleben” del siglo XVII. La vanidad ficticia de lo mortal, la ilusión perecedera de la  materia,  adquieren así una nueva dimensión en el inconsciente óptico asociado a los productos de la cámara, inevitablemente cargados del peso de lo real heredado del siglo XIX y su asociación a la representación veraz”.

Ricardo Guixà es licenciado en Bellas Artes en la especialidad de imagen por la universidad de Barcelona y Doctor en Bellas artes por la facultad de Sant Jordi de Barcelona en 2009 con la tesis: “La imagen trascendental: Fotografías de lo invisible. Fotografía y conocimiento en el siglo XIX”. Guixà es también fotógrafo profesional y profesor de fotografía en la UB, en ACAI y en Esdi (URLL).

TIEMPO ATRÁS, ESTHER CATALINA

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Tiempo atrás, Esther Catalina, 2016.

Esther Catalina comenta sobre sus imágenes: “Una propuesta: compartir sala con mis compañeros en una muestra de nuestro trabajo, reunido bajo el título “Tiempo atrás”.

Una respuesta: sumergirme en mi cotidianidad, en mi rutina laboral con el lema “Tiempo atrás” en la mente. Rescatar de su letargo mi cámara más antigua y darle una nueva vida para producir una pieza que alude, por encima de todo, al proceso”.

Esther Catalina es licenciada en Bellas Artes por la UB y actualmente da clases de fotografía en esta misma facultad en la que también es maestra del laborario analógico.

MEMORIA DE CANTERA, ENRIQUE CARBÓ

Memoria de cantera árbol Nº 2

Memoria de Cantera. Arbol nº 2. Enrique Carbó.

Enrique Carbó trabaja siempre la reflexión sobre el paisaje y la fotografía, así como las relaciones entre Arte y Naturaleza. Su contexto de trabajo preferido desde hace años son los Pirineos. Como se explica en la web de la Diputación de Huesca, con motivo de una exposición recierte titulada TODO PIRINEOS: “Desde hace más de treinta años, Carbó ha hecho de la cordillera pirenaica su estudio favorito, su taller, el territorio por donde deambula y pasea su mirada, una mirada que busca y lleva hasta el límite la capacidad para convertirlo en paisaje y confrontarlo con la cultura, lejos del precario paisaje que proponen las prácticas turísticas. Ese pasear de la mirada, una mirada desinteresada y educada que vaga escudriñando el territorio sin que le preocupe el esfuerzo físico, provoca la necesaria ascesis que crea el momento apropiado que detiene al fotógrafo y le obliga a desplegar su conocimiento para que esa fotografía sea el equivalente de la imagen entrevista. Sólo a partir de la constitución de una imagen mental del territorio es posible su fotografía”.

 

Enrique Carbó (Zaragoza, 1950) es Doctor en Bellas Artes y está ya jubilado de la docencia universitaria, aunque continúa apoyándonos y visitándonos con cierta frecuencia. Como fotógrafo ha expuesto tanto individual como colectivamente, ha comisariado varias exposiciones y recibido premios por su trabajo. Carbó, como explica Antón CASTRO en su texto La naturaleza esculpida: “pronto encontraría en el paisaje una forma de interpretación de la realidad: el paisaje estaba ahí, con su orografía y con su carga cultural, como un palimpsesto de imágenes y de sueños, y había sido analizado del derecho y del revés por maestros tan distintos, entre otros, como Ansel Adams o Edward Weston, que desarrollaron un auténtico sistema de zonas que portaba la llama de la modernidad. La naturaleza era un espacio de contemplación, de observación y de metamorfosis; ellos, más que ser documentalistas, interpretaban el paisaje. Creaban un código, un universo, una caligrafía cambiante con la mudanza de las estaciones.

Lleva Enrique Carbó más de media vida caminando monte arriba. Es el montañero fotógrafo y el fotógrafo de la montaña. Huye del preciosismo o de la majestuosidad evidente de las cordilleras. El suyo, por decirlo así, es un romanticismo contenido, de piedras labradas en su propia mente y en su propia lente.Enrique es un buscador de un ángulo concreto, de una luz especial, de un relieve; se define por la posición del fotógrafo. No se conforma con lo que todos vemos: con la grandeza que invade el ojo. Con la paleta exuberante de colores. No. No se conforma con el impacto de una textura. Con el arabesco desnudo del pedregal. Le definen otros matices: la memoria, el punto de vista, la imaginación, el sueño o la piedra encontrada de golpe al mirar de forma no usada. Con los ojos de poeta que se atreve a escrutar para ver. Y aprehender”.

 

Y… si me llegan mas imágenes e info… seguiremos informando…

 

 

 

 

 

 

 

Legados familiares: entre el libro-objeto, el relicario y el álbum de familia

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Esta semana se ha inaugurado T I E M P O  A T R Á S (fotografiar desde atrás), la exposición de fotografía en la que participo junto a todos los compañeros de la Facultad de Bellas Artes que tienen obra fotográfica (profesores y maestros de taller). Es un placer formar parte de esta muestra de nuestros trabajos que ha organizado y comisariado el Dr. Mariano Zuzunaga. Él es el responsable de que todos nos hayamos animado a participar (Israel Ariño/Ramón Casanova, Enrique Carbó, Esther Catalina, Alfonso de Castro, Pere Grimau, Jordi Guillumet, Ricardo Guixá, Manolo Laguillo, Mireia Plans, Débora Martínez, Pep Mata, Montse Morcate, Rebeca Pardo, Mar Redondo/Pere Freixa, Germán Regueira, Aleydis Rispa, María Dolors Tapias y Mariano Zuzunaga). A título personal, le agradezco enormemente la confianza depositada en mí: ¡Mil Gracias, Mariano!

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Imagen del montaje de la expo, antes de colocar el cristal en la vitrina en la que se muestran mis piezas, compartida en mi Instagram (@rebeca_pardo_).


Tras pensarlo mucho y tener que descartar la obra que quería producir para esta exposición por motivos de salud (la epicondilitis en el brazo derecho está haciendo mella profunda en mis posibilidades), decidí que la mejor opción era exponer las piezas de creación e investigación artística que realicé en paralelo a mi investigación teórica de la tesis doctoral. Me parece que es apropiado presentar en la facultad el fruto de esa apuesta que tenemos por la investigación desde la creación y la producción artística… y aquí os dejo las imágenes y la explicación de mis piezas.

Como ya he dicho las 3 piezas que forman parte de la exposición las hice en la etapa de investigación doctoral y, aunque no he expuesto mi ejemplar de la tesis porque no es propiamente una obra de fotografía, aquí os dejo una fotografía del mismo que tomé en una exposición de encuadernación en la que me solicitaron que lo mostrara. Mi tesis obtuvo un Cum Laude (que la apariencia ¿kitsch? no os engañe) en enero de 2012, fue dirigida por la Dra. Ma. Dolors Tapias (que también expone en esta muestra) y se tituló: La Autorreferencialidad en el arte (1970-2011): El papel de la fotografía, el vídeo y el cine domésticos como huella mnemónica en la construcción identitaria.

Tesis doctoral, de Rebeca Pardo

Mi tesis doctoral (Rebeca Pardo), que encuaderné artesanalmente yo misma como un álbum de familia, con un cosido a diente de perro… todos los cientos de páginas de todos los ejemplares (una locura que no repetiría pero que en aquel momento me hizo ilusión: la obra total… investigada, escrita, encuadernada… sin comentarios). A mi ejemplar le hice también un estuche de terciopelo… y esta fotografía fue realizada cuando la incluyeron en una exposición de encuadernación.

 

El proyecto en el que se enmarcan las piezas que se exponen actualmente en la facultad de Bellas Artes de la Universitat de Barcelona se titula Legados Familiares (2011-2012) y reflexiona sobre las huellas familiares en la construcción de la propia memoria e identidad. Es la investigación artística o creativa que realicé en paralelo a la investigación teórica y que tuvo un papel importante en la definición de ciertos aspectos y en el tratamiento de ciertos temas (una de las piezas fue el germen de mi posterior máster de antropología).

El formato de las piezas que integran este proyecto es difícil de definir, aunque fueron pensadas y trabajadas como libro-objetos (de hecho, las hice en el taller de encuadernación de Begoña Cabero: Charnela, en el que estuve durante varios años). Estas obras, elaboradas con técnicas de encuadernación, parten de imágenes familiares antiguas editadas digitalmente e impresas en diferentes soportes que se combinan con textos breves y objetos diversos. La intención es la de tratar de elaborar un álbum familiar diferente que remita a una colección de relicarios en los que se exhiben las huellas e imágenes de mi pequeño altar de la memoria o del legado familiar recibido.

En esta ocasión se presentan tres obras de este trabajo, “Vitrinas familiares: mis abuelos”, “La fragilidad del Recuerdo: La tía Piedad” y “Relicario: Melenas familiares”, que intentan indagar en el modo en el que conservamos, olvidamos, reproducimos o reconstruimos los recuerdos.

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Proyecto “Legados Familiares”, Rebeca Pardo, 2011-2012.

La fragilidad del Recuerdo: La tía Piedad” surgió a partir de una serie de reflexiones sobre el papel de una mujer soltera, sin hijos, en el álbum familiar y en el recuerdo de generaciones posteriores. ¿Cuál es su/mi recuerdo? ¿y su/mi legado? La tía Piedad era hermana de mi abuela Basi, parece ser que hasta tenemos cosas en común… pero no sé nada sobre aquella mujer que bordó durante media vida ajuares y prendas como este pañuelo desgarrado en el que curiosamente figura la palabra recuerdo. Muchas de aquellas piezas están ahora en casa de mi madre. Algunas, como este pañuelo, se van estropeando sin haber sido utilizadas nunca. El pañuelo y su actual rotura me parecieron una metáfora exquisita de lo que ha sucedido con la memoria de aquella mujer que se va diluyendo, perdiendo… por eso quise que su imagen no se viera del todo a través de la rotura de ese recuerdo textil que es en estos momentos el quejumbroso baluarte de su legado. Probablemente soy la única persona de mi generación que tiene algún interés en recordarla. ¿Nada quedará de ella después de mi? ¿qué pensó, amó, por qué sufrió o con qué soñó? ¿Eso importa? ¿qué somos aparte de esas cosas que perdurarán desligadas de nuestra memoria, más allá de nuestro nombre, y a las que dedicamos más tiempo que a nosotros mismos por ese afán de ser recordados? Para ella elaboré un soporte de terciopelo rojo, como los que habitualmente sirven para portar reliquias o joyas, y en la parte superior coloqué el pañuelo sobre una foto de Piedad con sus hermanos, aunque a ella es a la única que puede verse precariamente a través de la herida abierta en su pañuelo de “Recuerdo”, aislándola de los demás en su olvido exquisito. Todo ello está sujeto con un bastidor de madera circular que recuerda a los que usaban para bordar y por unos alfileres, que no sólo evocan la fragilidad con la que se sostiene su recuerdo sino también a la forma de hacer encaje de bolillos con la memoria… o con el olvido.

Consecuencia directa de esta pieza y de esta reflexión es el diario visual o álbum doméstico que mantengo en Instagram (@rebeca_pardo_), en el que comparto imágenes captadas con el teléfono móvil o la tablet de mi “hogar” y de quienes lo comparten conmigo: plantas, flores, bichos (las hormigas y los pulgones son habituales)… las redes sociales han facilitado que personas que viven solas o que no tienen hijos tengan álbumes online que crean para compartir con otros experiencias, gustos o aficiones (hasta ahora podría decirse que los álbumes familiares se comenzaban con una boda o con el nacimiento del primer hijo… quien no pasara socialmente por ninguno de estos dos acontecimientos se convertía automáticamente en un personaje secundario de la narrativa visual familiar que difícilmente llegaría a ser el protagonista de ninguna historia que se considerara importante para legar a los descendientes). Sin embargo, la imagen, antes objeto casi exclusivo de memoria duradera, se transforma en las redes en elemento de co-presencia y conexión de consumo inmediato… y los álbumes individuales o colectivos se reinventan en online. Si a la tía Piedad la hemos olvidado los descendientes por falta de fotografías… a mí se me olvida tras un “me gusta” en alguna de las miles de fotografías compartidas en las redes sociales… ¿o no? ¿Por qué compartimos nuestras nimiedades? ¿realmente le interesan a alguien? ¿Son las imágenes el nuevo elemento de conexión y comunicación social?

También me interesa llevar al límite algunas prácticas: los que tienen mascotas les dedican imágenes y álbumes como si fueran sus hijos, miembros de pleno derecho de sus familias. Pero ¿y los que tenemos plantas? ¿Son las plantas seres vivos inteligentes y sensibles? Me marcó mucho la lectura de Sensibilidad e inteligencia en el mundo vegetal, de Stefano Mancuso y Alessandra Viola. Llevándolo al límite… que acostumbra a ser lo más interesante: ¿Y si ellas son parte de mi familia? ¿Y si yo soy la mascota que ellas han amaestrado para que trabaje para ellas? ¿Acaso no pago yo una hipoteca de una casa que disfrutan ellas 24 horas? ¿Son ellas más inteligentes que yo? Unas pequeñas lentes “macro” de plástico malísimo, que están al alcance de cualquier aficionado, me permiten retratar mi contexto doméstico de un modo poco habitual en el ámbito familiar, pero que también habla mucho de todos aquellos detalles diminutos que desconocemos… que personalmente me remiten a todos aquellos que fueron invisibilizados en los álbumes familiares, como mi tía-abuela Piedad.

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Proyecto “Legados Familiares”, Rebeca Pardo, 2011-2012.

Relicario: Melenas familiares” reúne a modo de relicario la relación de las mujeres de mi familia con su pelo en una caja de habanos, como las que siempre ha habido en casa para guardar de todo (vivíamos sobre una cafetería familiar que abrieron mis abuelos y continuaron mis padres, en la que se vendían también puros de cajas de madera).Esta pieza surgió a partir del análisis de varias obras de artistas afro-americanas que trabajaban con el pelo como elemento identitario tanto de género como cultural.

Mi abuela Isabel tenía un precioso pelo blanco que siempre quise haber heredado aunque creo que no tendré la suerte de poseer esa cabellera nívea nunca y siempre me ha fascinado la historia de que cuando era joven estuvo a punto de ser marcada precisamente rapándole la cabeza. Me cuentan que por bailar el baile de la sardina con un cántaro con agua sobre la cabeza… por algún tema ¿político? ¿religioso? ¿? que no termino de entender… pero eran años complicados, y la entonces dueña de la actual casa de mi familia (la Santa, parece que la llamaban) pagó para salvarlas de semejante estigmatización pública a ella y a otra mujer del pueblo. De mi abuela Basi, de la que hablaré más adelante, con la que conviví toda mi infancia pero cuyo recuerdo ha estado siempre marcado por el Azheimer que sufrió tempranamente en los años 80, apenas tengo recuerdos más allá de las imágenes del álbum familiar en el que destacan una fotografía de su juventud con unos maravillosos rizos y sus retratos con la mantilla y la peineta con las que aparece en alguna foto de boda. Mi madre, por otro lado, tenía una melena muy larga que un día cortó y aún conserva en forma de trenza guardada en un cajón. Ella está en un espejo porque siempre ha sido ese referente en el que me he mirado y al que he admirado. Y finalmente yo… que he llevado el pelo largo casi toda mi vida, ajena a modas y estilos, aunque son mis dos trenzas sempiternas de la infancia las que muchos aún recuerdan.

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Proyecto “Legados Familiares”, Rebeca Pardo, 2011-2012

 

 

Finalmente, “Vitrinas familiares: mis abuelos”, fue un poderoso motor de giro de toda mi investigación postdoctoral y es hasta cierto punto responsable de mi actual interés por el modo en el que se representa visualmente de modo autorreferencial la enfermedad, especialmente el Alzheimer (mi tesis de máster de antropología posterior se tituló Imágenes de la (des)memoria: narrativas visuales autorreferenciales del Alzheimer en Barcelona, fue dirigida por el Dr. Joan Bestard, nuevamente obtuvo la calificación máxima, y está disponible en el repositorio de la UB). De hecho, un fragmento de la obra ha servido de portada, ilustración y cartel de varias conferencias o artículos sobre el tema.

El planteamiento inicial fue hacer una serie de pequeñas vitrinas que contuvieran una imagen digital de uno de mis abuelos en su juventud, en una época en la que podían tener semejanzas con mi propio retrato, junto con algún elemento que me los recordara. ¿Serían identificables mis gestos o mis rasgos en sus propios retratos? ¿tendrían esos elementos algo que ver con mi propia identidad?

Los elementos elegidos fueron sencillos. El pelo ya mencionado de mi abuela Isabel, alfileres que me remiten a la frialdad punzante de mi abuelo Francisco (que en realidad se llamaba Lorenzo pero a quien terminaron denominando con el nombre de un hermano muerto prematuramente), o las plumas blancas que me remiten a mi abuelo Mariano… uno de esos seres especiales que marcan no sólo tu infancia sino tu vida y que no pudo combatir un cáncer. Yo tenía 8 años cuando le dijeron que moriría en unos días y regresó a casa a despedirse de todos hasta que su corazón dejó de palpitar. Yo no me enteré de mucho en esos días, sólo recuerdo el día de su muerte. Me dolió tanto perderlo que creo que no volví a mencionarlo en años. Cuando era periodista en Perú, muchos años después, me encargaron la realización de un reportaje de investigación sobre la magia (algo que allí era bastante más habitual que en España) y, tras muchas visitas a personajes de más que dudosas cualidades, patidifusa escuché su nombre en labios de una vidente en Piura y un chamán, en las Huaringas (Perú). Ambos se refirieron a él con nombre y datos increíbles. Pero lo que me quedó, porque hay cosas que una decide aquello de “se non è vero, è ben trovato“, es que ambos (por separado y en lugares muy distantes) lo definieron como un ángel que me acompañaba, de hecho ambos señalaron a un lugar muy concreto de mi espalda (y yo ahí prefiero tener un recuerdo que un hueso… ventajas de ser de letras).

Mi abuelo Mariano estará desde entonces vinculado a una magia que no puedo afirmar que exista pero que tampoco volveré a afirmar con rotundidad que sea imposible: ¿quién no desea tener un ángel de la guarda que le cuide…? o, al menos, como repito desde entonces, ¿a quién le hace daño pensar que los suyos no desaparecen con su cuerpo sino que te siguen acompañando más allá de esta corporalidad mediocre post-Ilustración que ha racionalizado tanto el mundo? ¿A quién le hace daño pensar que forma parte de algo que lo trasciende, de un legado familiar, de una saga en la que perdurarán también algunas cosas… aunque tu nombre se olvide? Habrá otros, sobrinos-nietos, quizás, que serán como tú, en cuyas fotografías de la infancia alguien recordará a ese otro niño o niña que no sabe quién era pero que estaba en el álbum de los abuelos… ese Extraño Intimo (Intimate Stranger que da título a uno de los documentales de Alan Berliner) porque las fotografías familiares tienen ese halo, esa pose, ese algo que nos remite a los otros que fueron algo de nosotros antes de nuestra propia existencia.  En cierta manera, es correcto pensar que mi abuelo está conmigo cada vez que alguien reconoce en mí algo suyo o sencillamente me identifica como “la nieta del Galo”, como ese algo que hay de mi padre en mí se remarca cuando alguien me reconoce en mi pueblo como “la hija del Duque”… todos los que vivan en zonas donde la familia es aún importante sabrán que en esos lugares entrañables (y a veces un tanto lastrantes) uno nunca, jamás, será un individuo, sino parte de una saga. Para lo bueno y para lo malo: “Carmelilla”, “Cintablanca”, “ducada”, “galilla”… cada adjetivo implica cierto rasgo, cierta herencia familiar por parte de padre o de madre, de abuelos o de parientes lejanos pero que eran como tú en algo muy característico que sólo aquellos que han conocido a los tuyos desde siempre sabrán reconocer en tí… un recordatorio de que tú eres apenas una almazuela realizada con retales de otras existencias. En mi caso: Denominación de origen Rioja, Denominación de origen Rincón de Soto… eso sólo puede ser muy bueno. El resultado de tanta alquimia es único por cómo se han transmutado y combinado los pedacitos y por lo que se ha hecho con ellos, pero es poco más que una obra de ars combinatoria con más o menos gracia, más o menos compleja. De esto habla, en el fondo, este proyecto: de que estamos hechos de pedacitos de otros seres, de otras vidas… porque no sólo de genética vive el ser humano, sino también de recuerdos, de grandes gestas o de tremendos errores cuyos brillos y sombras son alargados y pueden alcanzar a varias generaciones. Se trata, en el fondo, de un legado que no está sólo en el famoso ADN sino también en lo emocional, experiencial, sentimental, histórico, irracional… y fotográfico.

En esta pieza busqué que las impresiones de las fotografías fueran fácilmente deteriorables por el paso del tiempo para dejar que, como ocurre en la realidad, las imágenes se vayan diluyendo y sólo queden los objetos. Una vez libres del referente fotográfico que metafóricamente representa al recuerdo que los vincula a un ser querido: ¿los objetos seguirán teniendo el mismo valor como huellas de la memoria?

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Detalle de “Vitrinas familiares: mis abuelos”, Rebeca Pardo, 2011.

Sin embargo, la reflexión más potente en este trabajo surgió de manera inesperada, cuando llegó el momento de pensar en mi abuela Basi, con la que conviví desde que nací hasta que murió cuando yo era adolescente: sólo puedo recordarla con Alzheimer. Mi recuerdo de ella se reduce a actitudes que con el tiempo he comprendido que son más características de la enfermedad que de mi abuela. De hecho, su imagen en mi mente es tan precaria como la fotografía de ella que seleccioné y que decidí no “arreglar”. Fue una constatación dolorosa darme cuenta de que la había perdido, de que nunca podría recordarla adecuadamente, de que su imagen era una fotografía de juventud entre cuyas grietas e indefiniciones jamás podría encontrar a la anciana que yo desconocí en vida mientras ella se iba olvidando de sí misma y de todos nosotros… pero sobre todo es duro plantearse el posible factor hereditario de la enfermedad. De pronto fui dolorosamente consciente de que no la conocía, de la fragilidad de la memoria y de lo cruel que puede ser una enfermedad que quizás forme parte de nuestro legado familiar. Por este motivo, en su caso, ese algo importante no es su rostro, ni ningún objeto que me remita a ella… es ese diagnóstico de fondo, con nombre de doctor, que ha marcado nuestro pasado y quién sabe si nuestro futuro.

Curiosamente, todo esto me llevó a otra reflexión. No hay fotografías de aquella época, de los muchísimos años de convivencia con una enferma de Alzheimer, más allá de las celebraciones en las que eso no consta porque todos sonreíamos para la cámara. Entonces no fotografiabamos a los enfermos en casa… era predigital, pre-redes sociales, cuando una fotografía normalmente estaba justificada por algo que mereciera la pena recordar y nadie pensó entonces que hubiera algo que rememorar de aquella experiencia. Entonces, y con matices también ahora, la enfermedad, sobre todo si es mental, se guardaba en la intimidad. No por miedo o por vergüenza (aunque por lo que voy leyendo y viendo, en otros casos también eso es importante)… sino porque hay cosas de las que es mejor no hablar. La tiranía de la felicidad y la salud en nuestro tiempo son temas que me preocupan. ¿Qué sentido tiene compartir con el mundo lo que posees, lo que compras, lo que comes… como símbolos de tu identidad, si donde de verdad se conoce a las personas es en los momentos difíciles, en sus sombras, en sus miedos… y eso se oculta? Los procesos de duelo o las lágrimas deberían ser tan naturales como los momentos de felicidad y las sonrisas. ¿Quién es el egoísta, el que muestra su dolor o el que necesita, para estar tranquilo, que no lo hagas? Una vez hice un curso sobre acompañamiento a la muerte tras haber tenido varias experiencias (que no detallaré) con niños muy enfermos que cuando se quedaban a solas conmigo me preguntaban si se iban a morir… lo que daba lugar a conversaciones impresionantes en las que un lugar común era que solían explicarme que no lloraban para que sus papás no se sintieran mal. Creo que tengo la inmensa fortuna de que poca gente ha tenido alguna vez cuidado de que yo pudiera sentirme mal con lo que me dijeran… así que he escuchado muchas, muchas cosas, que he ido aprendiendo a no juzgar. He aprendido, con la experiencia, que ayudar, a veces, significa abrazar a alguien que llora porque necesita hacerlo y sentirse acompañado en su dolor o en su miedo. No puedes curarles, ni hacer mucho más que estar ahí. A veces lloras con el otro, otras veces eres capaz de hacerlo reír al cabo de un rato o de distraerlo por un tiempo con tus estupideces… pero ¿por qué tenemos esa condenada manía de no dejar que la gente exprese su dolor, sus miedos o sus duelos? Quizás por ello, quienes están afectados por situaciones complicadas que necesitan compartir sin ser juzgados o silenciados han de encontrar un elemento catalizador de la experiencia que enlace directamente con lo que Marianne Hirsch (que ha acuñado también términos como “postmemoria“) ha llamado la “mirada afiliativa” (Affiliative look). Un tipo de mirada que conecta directamente, emocionalmente, sin ser familiar, con la experiencia. Una experiencia muy habitual en ciertas enfermedades cuando se comparten imágenes que otra persona afectada reconoce casi como propias sin necesidad de explicaciones: ventajas e inconvenientes de las poses fotográficas y de los clichés del álbum doméstico.

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Una de las imágenes sobre temas de salud (análisis habituales de sangre por una anemia ¿crónica? que tengo que mantener controlada) compartidas en un diario visual que mantengo desde hace tiempo en Instagram. De la misma manera que las obras expuestas en estos momentos en la facultad fueron una investigación artística paralela a la teórica de la tesis doctoral, en estos momentos también combino la investigación más teórica o más propia de las humanidades digitales con una investigación más experimental a través de las fotografías compartidas en mis redes sociales sobre temas siempre relacionados con la enfermedad y con las imágenes domésticas, poniendo a prueba los límites de la exposición, la intimidad, lo que ahora se denomina extimidad y, sobre todo, cómo eso afecta a nuestra vulnerabilidad y a las relaciones con aquellos que ahora “nos siguen” a través de las redes sociales.

La vida es interesante por sus luces y sus sombras, y la necesidad de compartir, de sentirse acompañado y, sobre todo, comprendido está detrás de algunas prácticas que están surgiendo en las redes sociales y en Internet alrededor de imágenes autorreferenciales compartidas de la enfermedad… de eso trata mi actual campo de investigación: soy IP (Investigadora Principal) del Proyecto: “Compartiendo el dolor y el duelo online” financiado por Ayudas Fundación BBVA a Equipos de Investigación Científica (2015-2017) que, como ya he comentado muchas veces, es fruto de la colaboración con Montse Morcate (especialista en el tema de las imágenes del duelo y la muerte o la fotografía postmortem, que también debería aparecer como IP pero por cuestiones burocráticas no pudo ser).

Las nuevas prácticas online están generando incluso una especie de comunidades en las que es importante la sensación de “co-presencia” entre pares para muchas personas afectadas por una enfermedad o que cuidan de un enfermo y que se sienten solos, abandonados e incluso estigmatizados. Como ya explicaba Goffman, en esta especie de teatrillo social que nos organizamos, podemos reconocernos entre nosotros y el estigma puede desaparecer en la socialización cuando el otro es como tú. Y sí, ya sé que no debería ser así, que todos deberíamos ser supermegacomprensivos y no apartar a nadie… pero el hecho es que muchas de las etiquetas que acompañan las fotografías compartidas remarcan la idea de “awareness” (¿concienciación? ¿visibilización? ¿un poco de ambas?). De estos temas, a modo introductorio, trata nuestro capítulo (escrito junto a Montse Morcate): “Illness, death and grief: the daily experience of viewing and sharing digital images” en el libro Digital Photography and Everyday Life: Empirical Studies on Material Visual Practices editado por Edgar Gómez Cruz y Asko Lehmuskallio, que Routledge acaba de publicar.

Y… Dejadme ponerme sentimental en este final de entrada…

Con el tiempo he comprendido el importante valor de los cuidadores de los enfermos de Alzheimer y la gran generosidad de su dedicación en unas circunstancias tan complicadas en las que probablemente nadie les dará las gracias ni recordará lo que se ha hecho (según investigaciones realizadas en los últimos años el nivel de estrés, ansiedad y preocupación que soportan es tan alto que muchos de ellos teminan enfermando, perdiendo trabajos…). En nuestro caso: mi madre fue la heroína de la historia. Desde aquí mi agradecimiento y pequeño homenaje a todos los cuidadores de enfermos, especialmente de Alzheimer, porque con vosotros el mundo es un lugar mejor para vivir. Gracias a vuestros gestos, los que hemos vivido en casa una enfermedad como ésta tenemos muy claro el lado amargo de la experiencia pero también el valiosísisimo recuerdo de vuestra preocupación, dedicación, cariño y generosidad desinteresada.

Quizás tengamos suerte y sean otros los que nos olviden, quizás no seamos tan afortunados y nuestras neuronas nos jueguen malas pasadas y terminemos olvidándonos de nosotros mismos, pero si entre mis últimos recuerdos sólo quedan fragmentos de mi infancia, como le pasó a mi abuela en sus últimos días… la generosidad de mi familia y el amor sin límites (especialmente de mi madre) formará parte, lo sé, de los últimos destellos de lucidez de mi mente. Y esa es una certeza que tranquiliza. Aunque ya sé que seguramente yo nunca he estado demasiado lúcida…

 

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Los que seguís este blog ya sabéis que soy Doctora en Bellas Artes, investigadora y profesora de fotografía (en Bellas Artes en la UB y en Comunicación en la UAO CEU). Por algunos posts también tenéis noticia de que, aunque en los últimos años mi camino ha ido más hacia la investigación y lo académico, soy fotógrafa (en otra -etapa de mi- vida fui fotoperiodista y editora en Perú) y cuando puedo disfruto creando libro-objetos y libro-arte. He publicado fotografías en diarios y libros, y he participado en diversas exposiciones de libro-arte y libros de artista nacionales e internacionales. Quitándole horas al sueño mantengo este blog y he publicado numerosos textos y participado en congresos internacionales sobre autorreferencialidad, enfermedad, imagen familiar y doméstica… muchos de ellos difundidos en mis perfiles de Researchgate y de Academia.

Arte + robótica + Ricardo Iglesias = libro imprescindible + premio de ensayo MADATAC

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Hace tiempo que quería escribir sobre el último Premio Internacional de Ensayo MADATAC, relacionado con el Festival MADATAC, porque el ganador de la última edición es mi colega de trabajo en la Universitat de Barcelona y amigo, Ricardo Iglesias, con su interesante investigación sobre las complejas relaciones entre arte y robótica, y la tecnología como experimentación artística.

Como sé que algunos de los que seguís este blog sois investigadores/artistas y una de las páginas más visitadas es la de las convocatorias, miraos la página del Festival MADATAC con cariño porque tienen concursos y premios de creación y de ensayo que os pueden interesar. De hecho, está abierta la convocatoria al IV Premio de Ensayo MADATAC hasta el 30 de septiembre de 2016. Los temas de este premio de ensayo son: ARTE AUDIOVISUAL DE LOS NUEVOS MEDIOS, NUEVAS TECNOLOGÍAS DIGITALES, VIDEOARTE, ARTE MULTIMEDIA, ARTE INTERACTIVO, ARTE CIBERNÉTICO, BIO ARTE, ARTE SONORO… como todo tema relacionado con la simbiosis creativa entre arte, ciencia y tecnología.

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Captura de pantalla de la web de MADATAC

El resultado del premio al ensayo de Ricardo Iglesias en la pasada edición ha sido un libro editado por la Editorial Casimiro que ha sido ya presentado en Zaragoza y en Madrid, y este martes, mañana, 17 de mayo, a las 19:00 será ¡por fin! presentado en el salón de actos del Arts Santa Mònica (Entrada libre / Aforo limitado) con la presencia de su autor y de la especialista en new media art, Roberta Bosco. Y claro, como “a lo mejor” yo podría no ser imparcial en mis opiniones (jajajajajajaja), os dejo aquí la opinión de Roberta Bosco sobre esta obra claramente IMPRESCINDIBLE:

El ensayo representa un verdadero hito en la historiografía del arte robótico, porque hasta la fecha no existía ningún texto que abordara de forma didáctica y exhaustiva este fenómeno, no ya en español, pero ni siquiera en inglés o alemán”,

Roberta Bosco, EL PAÍS.

Captura de pantalla 2016-05-16 a la(s) 12.54.31Sin embargo, aunque llevo tiempo queriendo escribir sobre esta presentación, la investigación de Ricardo y el premio, algunos problemas con mi brazo derecho y las múltiples conferencias, festivales y proyectos de Ricardo Iglesias en los últimos tiempos han ido retrasando esta entrada. Finalmente, tras recibir un diagnóstico de epicondilitis y viendo que la presentación en Barcelona será en pocas horas, me he sentido yo también un poco robótica Captura de pantalla 2016-05-16 a la(s) 12.54.48con todo lo que me han ido poniendo en el brazo (si hubiese sucedido antes, a lo mejor hubiera podido ser portada del libro), he visto que mi brazo no se va a recuperar en muchos meses, y he pedido a Ricardo que me envíe algunos textos breves sobre los que poder trabajar brevemente para escribir esta entrada que de otro modo sería imposible… así que mil gracias, Ricardo, y a los que seguís este blog: por favor, disculpad si con la rapidez y las circunstancias cometo algún error de forma o fondo.

El propio autor, define con estas palabras el contenido del libro, que es un claro resultado de su larga y profunda investigación tanto doctoral como postdoctoral:

“Con la aparición de las nuevas tecnologías el ámbito de actuación de las artes ha sobrepasado el clásico papel asignado de “objeto contemplativo” para transformarse en formatos de interacción directa con el público y su entorno, en la construcción de nuevos lenguajes y objetos estéticos. La robótica, que está marcando la evolución económica, social, industrial, científica, médica e incluso educativa, encuentra en su producción artística un campo inabarcable de experimentación y desarrollo. El presente ensayo defiende y reconoce las posibilidades que esta producción representa para el futuro de las artes. Se presenta un recorrido histórico, literario y estético de las diferentes propuestas que los artistas han ido proponiendo en su investigación teórica y practica, desde los primeros autómatas del s. XVIII hasta las últimas máquinas robóticas sensitivas, pasando por las aplicaciones de formatos telemáticos, la figura del cyborg o la robótica social. Sin duda, como apunta Gerdried Stocker, director artístico del festival Ars Electronica: The art of tomorrow is the art of the media”.

Como complemento a su investigación y a sus textos, Ricardo Iglesias también está desarrollando un timeline sobre arte electrónico (trabajo en proceso) que podéis consultar en: http://www.ricardoiglesias.net/arte_robotico/

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Detalle del Timeline que Ricardo Iglesias está desarrollando sobre arte y robótica

El libro que se presenta mañana, por tanto, es el resultado de una dilatada trayectoria como investigador y artista, una doble vertiente complicada pero que ofrece resultados muy interesantes y por la que apostamos en el Departamento de Artes Visuales de la facultad de Bellas Artes en la Universitat de Barcelona (más adelante encontraréis un resumen de la dilatada trayectoria de Ricardo Iglesias como artista e investigador). Estoy convencida de que la investigación académica combinada con la práctica artística ofrece un punto de vista diferente que amplia el campo de acción y que, con frecuencia, resulta innovadora en los temas tratados y en la manera de abordarlos ya que los autores de este tipo de trabajos, como es el caso de Ricardo Iglesias, tienen proyectos en activo que trabajan desde dentro en un ámbito de estudio que también tratan de visualizar en conjunto y desde la objetividad académica. Si bien el camino no es fácil, los resultados, como Ricardo Iglesias nos demuestra en esta ocasión, pueden ser excelentes. ¡FELICIDADES, COMPAÑERO!

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Detalle del Timeline que Ricardo Iglesias está desarrollando sobre arte y robótica

En esta línea de la diferencia que marca el artista como investigador (o el investigador como artista… aunque creo que el orden de los factores afecta al producto en estos temas), como el propio Ricardo explica, sobre su obra (tanto escrita como artística): “El desarrollo de mis trabajos se basa principalmente sobre tres conceptos: comunicación, interacción y control. Comunicación, entendida como una actividad humana fundamental donde los individuos se relacionan y forman relaciones sociales. Es necesario rescatar la noción dialógica y la reconsideración del receptor o destinatario. Para mi, la comunicación se plantea como un proceso en el cual, como dice Kaplún, “dos o más seres o comunidades humanas intercambian y comparten experiencias, conocimientos y sentimientos, aunque sea a distancia y a través de medios artificiales” (Kaplún, 1998). Pero para que exista una comunicación real es necesaria una ‘igualdad efectiva de oportunidades para asumir roles de diálogo’ (Habermas, 1981), y por tanto, un acceso directo y en igualdad de condiciones a los medios y la tecnología. Interacción donde la relación entre hombres y máquinas, hasta ahora sustentada en el uso, en el cuidado y en la administración de la acción de la máquina, es decir, en su simple manejo, pasa a desarrollar una relación ser humano-máquina basada en una interacción interna y mutua. Y Control como concepto aglutinador de los comportamientos de las sociedades actuales, donde el uso de medios automáticos en los procesos de registro e información no significa la ausencia de una intención subjetiva por parte del sistema y por consiguiente, de su manipulación. “El Panóptico funciona como una especie de laboratorio de poder” (Foucault, 2010)”.

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Ricardo Iglesias

Por otro lado… ¿Quién es Ricardo Iglesias? Yo os diría que es un gran compañero y una fuente inagotable de conversación y conocimiento… pero quizás sea mejor definirlo al estilo de un CV más tradicional. Así que… Ricardo Iglesias, además de ser el galardonado en este III Premio Ensayo New Media Art MADATAC (2015) que nos ocupa, y profesor en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona (donde imparte clases sobre audiovisual, media art y sistemas interactivos), es Licenciado en Filosofía y Letras (U.A.M.), y Doctor Cum Laude en Bellas Artes por la UB (Con rango europeo y Premio extraordinario de Doctorado 2011-2012) con la tesis La robótica como experimentación artística. Una aproximación histórica a la evolución de las máquinas autómatas desde el prisma de la estética.

Ricardo Iglesias también ha impartido clases en diferentes centros privados como: Escuela Massana (UAB), Instituto Superior de Diseño-IDEP, Instituto Europeo di Design, Escuela Superior Diseño ELISAVA. Ha trabajado como webmaster para la página web del MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y continúa su colaboración como freelance en proyectos web específicos: Antagonismes. Conexió remota (2001), On Translation: web. Muntadas (2002). Ha impartido conferencias sobre Net.Art, robótica, comunicación audiovisual y ‘new media art’ en diferentes Universidades y Centros de Estudios como: Univ. Europea (CEES), Univ. Alicante, Univ. Barcelona, Univ. Cuenca, Univ. Salamanca y Univ. Valencia, entre otros.

Por si todo esto fuera poco, también ha participado en numerosas muestras de arte nacionales e internacionales (selección): ArtPlay 1840s (TATE, Reino Unido, 2014), Metáforas de la supervivencia. FASE 5 (Buenos Aires, 2013), Imágenes del dolor. Museo del Holocausto (Buenos Aires, 2013), Festival VG Vídeo Guerrilla (Sao Paulo, 2012), I Programa Internacional de Video Arte 2013. MECA (Almería // Tessy-sur-Vire, 2012), ((.mOv)) Videoarte en mOvimiento (Lima, 2012), FILE | Electronic Language International Festival (Sao Paulo, 2011 // Río de Janeiro, 2006), Sónar. Festival Internacional de Música y Arte Multimedia (Barcelona, 2013 // 2010), Les Rencontres Internationales (París, 2008 // Madrid, 2008), Banquete. Nodos y redes. (ZKM – Karlsruhe 2009 // LaBoral – Gijón, 2008), Sintopía(s). De la relación entre arte, ciencia y tecnología (Instituto Cervantes – New York, 2008 // Pekín, 2007), Resplandores (Buenos Aires, 2007), Juego Doble (México, 2006), BCN, t`ho Porto, BCN to Porto (Oporto, 2004), MAD. Encuentros de Arte Experimental (Madrid, 2001 // 2003), LOOP´00 (Barcelona, 2003), La vaixella imaginària (FoodCultureMuseum – Barcelona 2003), Cyberia 02 (Santander, 2002), ARTCologne. Internacional Fair for Modern Art (Colonia, 2005 // 2002), X Festival Internacional de Vídeo (Las Palmas G. C., 2002), Net.artmadrid.net (Madrid, 2001), ARCO (Madrid, 2002 // 2001), LogOS. Site de arte en la red. Exposición Universal Hannover (Hannover, 2000), Galería Virtual. MEIAC-Museo Iberoamericano de Arte Contemporáneo (Badajoz, 2000), Webby Prize Competition (SFMOMA – San Francisco, 2000), Muestra de Artes y Medios Digitales. (Córdoba-Argentina, 1999), Mediaterra Festival (Atenas, 1999), Net_Condition (Karlsruhe // Graz // Tokio // Barcelona, 1999).

A titulo individual (selección): Galería A&D (Barcelona, 2011), Sala Metronòm. Fundación Rafael Tous (Barcelona, 2005), Galería Metropolitana (Barcelona, 2005), Centro Cultural Conde Duque (Madrid, 2003), Casa das Artes (Oporto, Portugal, 2003), Mediateca. CaixaForum (Barcelona, 2006, 2002) y Galería BOX23. Lab de arte. Primavera del disseny 2001 (Barcelona, 2001).

También ha recibido diferentes premios y becas como: LIPAC Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas. Residencia Buenos Aires (2013), NCCA National Centre Contemporary Arts. Residencia San Petersburgo (2013), Propuestas’12 VEGAP (2012), Beques per la creació en els àmbits artístics OSIC (2012), Subvenciò Institut Ramon Llull (2011, 2006), CONCA. Arts Visuals (2011), FONS09 (2009), KREA Expresión Contemporánea, Vital Kutxa (2009), Ayudas a la Creación Contemporánea Centro Matadero (2008), Procesos 07. Ayuda AVAM (2007), Premio off ARCO-BEEP (2006), IX Ayuda a la Creación Visual. Fundación Arte y Derecho (2005), Hangar-FONCA-CENART. Residencia México (2005), Premio especial MAD03 (2003), Premio al mejor CD-ROM/pieza de Net.Art. Festival de Creación audiovisual de Navarra (2001), Mención especial a la propuesta de Net.Art. I Concurso Internacional El Mundo-ARCO (2001).

Arte y robótica. La tecnología como experimentación estética. Ricardo Iglesias. Casimiro Libros. Madrid, 2016. 360 páginas. 25 euros.

Para más información sobre proyectos, imágenes vídeos y publicaciones, consultad www.ricardoiglesias.net y los que podáis: asistid a la presentación de su libro… es una oportunidad única para aprender un poco más de este ámbito tan peculiar donde la ciencia y el arte se encuentran.

 

 

 

 

 

 

EXHIBIT’16

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Siempre es un inmenso placer poder presentar el trabajo de mis alumnos, sobre todo si lo iniciaron como proyecto en una de mis clases porque esto significa que los encargos académicos, como siempre insisto, pueden convertirse en algo más: en su carta de presentación en galerías, becas, premios…

En esta ocasión, 3 de mis exalumnos expondrán su obra fotográfica (3 proyectos que se desarrollaron en la asignatura Imagen, Narración y Memoria) junto a la de otros 2 exalumnos de la Facultad de Bellas Artes de la Universitat de Barcelona (UB), en la tercera edición de la exposición Exhibit’16. Los nombres de los artistas que exponen este año son: Claudia Castelló, Marta Company, Joaquín Jordán, Mateo Pérez, Annachiara Ramalho y Laura Solano. Estas exposiciones se organizan desde el Espai F. Català-Roca  y esta edición se inaugurará mañana jueves 14 de abril a las 19:30 en la sala Xalet-Golferichs (Centre Cívic Casa Golferichs, Gran Via de les Corts Catalanes, 491).

En esta ocasión, Montse Morcate (Doctora en Bellas Artes, profesora en la UB y que es la comisaria de Exhibit en Espai F. Català-Roca) ha preparado una exposición muy coherente en cuanto a temática ya que las obras que se expondrán están muy relacionadas con la memoria y la identidad, con un acercamiento muy interesante en algunos casos a las profundidades del dolor y del duelo.

Ya hace 2 años comentaba la primera edición de esta exposición en la entrada EXHIBIT: 6 excelentes proyectos fotográficos, en la que también participaron 2 Trabajos Finales de Grado que María Lliteras y María Frigola habían desarrollado conmigo aquel curso.

Con esta nueva edición de Exhibit, en la que se muestran nuevamente proyectos fotográficos de graduadas y graduados de la Facultad de Bellas Artes de la UB en colaboración con su Vicedecanaro de Cultura, el Espai F. Català-Roca da continuidad a su compromiso de soporte a la creación de jóvenes artistas con su colaboración con diversas instituciones en el ámbito de la fotografía del país. Con esta iniciativa, este centro especializado en fotografía en Barcelona ofrece un primer acceso a los exalumnos de Bellas Artes al circuito de salas de exposiciones y da una mayor visibilidad a sus trabajos, ofreciendo también al público una visión de los intereses y recursos visuales de una nueva generación de artistas.

Quiero dejar constancia de que me hace especial ilusión comenzar con esta imagen que dejo a continuación, que familiarmente terminamos denominando como “la señora del perrito” pero creo, queridos y sufridos lectores de este blog, que no podríais llegar a imaginaros los debates encendidos que tuvieron lugar sobre ella en los talleres desde que apareció en un trabajo que, hasta ese momento, no tenía ninguna presencia de ser vivo. A veces, una imagen cambia el rumbo de un trabajo y lo lleva al desastre o… como en este caso… a un nivel superior.

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JOAQUÍN JORDÁN (Zaragoza, 1975) se formó en Imagen y Sonido. Estudió un Postgrado de cine en la Universidad de Zaragoza y es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de
Barcelona (2015). Profesionalmente es un realizador y animador 2D y 3D que ha desarrollado su trabajo en productoras de video, agencias de publicidad y estudios de diseño. Vive en Barcelona desde 2007, pero también ha vivido y trabajado en Madrid, Las Palmas GC y São Paulo. En el ámbito artístico, Joaquín Jordán se define con estas palabras: “mi trabajo investiga historias y memorias. Trabajo la identidad y el territorio con una visión antropológica. Investigo posibilidades narrativas con sonido e imágenes de un modo transmediático. Parto de que cualquier construcción social y cultural es una ficción, de que toda experiencia relatada es una ficción. Me interesa visibilizar y cuestionar los mecanismos del poder. Pretendo traducir y codificar el espacio físico para enfrentarlo con el de los sentimientos y el pensamiento. Me interesa recuperar la cotidianidad como una
estrategia de resistencia”.

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En palabras de su autor, su obra La Ciudad Imaginaria es: “un proyecto documental transmedia que formalmente se compone de tres partes: un libro fotográfico, un documental lineal y un espacio web contenedor donde también se alojan una serie de entrevistas. Cada parte del proyecto pretende acercarse a diferentes planteamientos de modo distinto, en función del medio y de una manera aditiva partiendo de hipótesis de trabajo distintas”.

El gran protagonista de esta obra es el Barrio de Ciudad Meridiana porque, como Jordán explica: “El barrio de Ciudad Meridiana es uno de los ejemplos más claros del urbanismo especulativo predemocrático fuera de la actual marca Barcelona. Bloques de vivienda como respuesta a la necesidad masiva de vivienda y como modelo de una doctrina urbanística”.

De la elaboración de este trabajo puedo decir que Joaquín Jordán llegó a mi asignatura de Imagen, Narración y Memoria (una optativa de último año) con una dilatada trayectoria de proyectos fotográficos en varias ciudades y con las ideas muy claras de lo que quería y podía hacer. Su trabajo como profesional del ámbito de la imagen, además de su preocupación por documentarse y la coherencia de su línea de trabajo personal, así como su constancia y persistencia lo convierten en ese tipo de alumno que creo que todo profesor de imagen desea.

No es de extrañar, por tanto, que en este tiempo haya sido capaz de llevar un proyecto que nace como trabajo final de una asignatura a un estadio muy superior, con una coherencia interna, unas dimensiones y unos acabados que no sólo lo han colocado en esta muestra sino que estoy convencida de que lo llevarán mucho más lejos en los próximos años. Como el propio Joaquín Jordán explica: “El proyecto trabaja con una visión antropológica el concepto de espacio en el desarrollo urbano. Los edificios crean y ordenan, tanto de manera individual como colectiva, para que una sociedad se mueva, exista y tome forma”.

Este trabajo reflexiona sobre todo lo que hay detrás de determinados planes urbanísticos, de ciertos tipos de barrios y arquitecturas, sobre el modo en el que las ciudades crecen en determinados periodos políticos y cómo algunos detalles que podrían parecer meramente urbanísticos (en el sentido más restrictivo del concepto) terminan generando unas determinadas maneras de habitar y socializar. Por tanto, tomar conciencia de estos marcos habitacionales y urbanísticos en los que nos movemos, y de cuestiones que no son nuevas (Guy Debord y el Movimiento Situacionista ya criticaron no sólo al capitalismo sino a la alienación en el contexto cotidiano), siguen siendo fundamentales para comprender no sólo los lugares que habitamos sino a nosotros mismos y a la manera en la que nos desarrollamos y socializamos en relación con ellos.

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ANNACHIARA RAMALHO (Italia, 1993), Graduada en Bellas Artes por la Universitat de
Barcelona (2015), es otra de mis exalumnas que participa en esta muestra con un proyecto iniciado en la asignatura de Imagen, Narración y Memoria. Sin embargo, considero que su reto era mucho más complicado tanto personal como artísticamente porque no contaba con experiencias previas en trabajos de este calado y porque quería trabajar con un tema personal y muy delicado. Sin embargo, Annachiara Ramalho dio muestras de perseverancia, creatividad, gran capacidad visual, contención y gran sensibilidad, cerrando un proyecto visual conmovedor, sobrio y, al mismo tiempo, muy potente (además de valiente) frente a los numerosos problemas y retos visuales que se fueron presentando por el camino.

Creo que las palabras de la propia Annachiara Ramalho pueden explicar mucho mejor que yo su trabajo: “Entiendo el proceso creativo como un proceso abierto, cambiante, y que se modela a las necesidades expresivas de cada creador. Por lo tanto mi trabajo es aquello que se ha querido manifestar a través de mí, hasta el momento presente, sin poder proyectar con mucho futuro cuáles serán las líneas de trabajo por venir. En el segundo año de mi paso por Bellas Artes, mi vida se marcó por la pérdida de mi madre por suicidio. Desde este hecho, gran parte de mi proceso de trabajo se ha enfocado a conceptos como la pérdida, la ausencia, el duelo, el paso del tiempo, la memoria… realizando así proyectos de búsqueda e investigación, con posicionamientos introspectivos pero con consciencia de estar tratando sentimientos y temas universales, partiendo del análisis de la experiencia personal, y con una intención de encontrar vías de sosiego o de ayuda en el duelo mediante la creación”. Hoy (12/4/2016) se ha publicado la entrevista que le ha hecho Gemma Tramullas para Gente Corriente (El Periódico) titulada: Annachiara Ramalho: «Tuve la mejor madre y el suicidio no lo cambia».

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LLENAR EL VACÍO. DUELO EN EL ÁLBUM FAMILIAR

Se trata de una obra en la que una hija se enfrenta a una de las muertes más duras que una madre puede tener para  transformar una parte de su proceso de duelo en imágenes “partiendo de la voluntad de superar la muerte utilizando la cámara como herramienta para afrontar la realidad” (por usar las palabras del propio dossier de la exposición). Las fotografías se plantean como una continuación o ampliación del álbum familiar con unas imágenes que visibilicen el proceso de duelo, la ausencia y dolor por la pérdida de la madre. Aunque ella no pueda estar físicamente presente en las fotografías, su huella y su recuerdo son los elementos que las hacen posibles.

Las imágenes de paisaje se convierten en representaciones visuales de heridas abiertas cuando, por ejemplo, padre e hija visitan Penya-Segat, el lugar desde el que saltó la madre. El camino recorrido siguiendo sus últimos pasos y capturando con la cámara lo que podrían haber sido sus últimas miradas, según la autora tuvieron la finalidad de ayudar a la aceptación… una última fase del duelo que se empeña en recordar que no se ha de confundir con el olvido. Sería imposible hablar de olvido frente a un trabajo como éste, sino de quizás, un proceso creativo de reconciliación con el pasado.

Estos últimos paisajes que pudo haber mirado la madre se unen a otros lugares de la memoria extraídos del álbum familiar que se refotografían para dejar patente la huella de una ausencia importante y fundamental en las imágenes. Y si la protagonista de estas imágenes es una presencia-ausencia clamorosa, el tono de estas fotografías se debate entre la contención, la sensibilidad y el dolor.

La mente es muy complicada, puede llegar a transformarnos de maneras muy crueles, y trabajando con alumnos e investigando con autores que conviven de manera cotidiana con padres, hermanos o con experiencias propias con enfermedades mentales, crónicas o terminales, creo que son temas que se estigmatizan, que se silencian… (quién no ha oído aquello de “no me cuentes más penas”, “deja de llorar”…). Sin embargo, con frecuencia aquellos que usan la imagen como medio de expresión necesitan comunicar lo que sienten, necesitan “verbalizar” en su propio lenguaje visual lo que les está sucediendo, y creo que es muy valiente y necesario que este tipo de trabajos salgan a la luz porque con ellos se humanizan experiencias compartidas por más personas (desgraciadamente) de las que me hubiera gustado pensar.

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Poema fotografiado, Detalle de “Llenar el vacío. Duelo en el álbum familiar”, Annachiara Ramalho, 2015.

Annachiara Ramalho incluye en el proyecto una poesía que formó parte de su proceso de duelo, pero que previamente había estado en el proceso de duelo de su abuela por su abuelo, y que su madre empleó cuando tuvo que enfrentar la muerte de ambos. Esta poesía, reproducida en una fotografía al documento original, que ha pasado por las manos de varios miembros de la familia en las circunstancias más difíciles, recogiendo las huellas de tantas ausencias como lamentos, se convierte en una especie de talismán que ayuda a que el duelo avance generación tras generación…  vinculando seguramente las penas en una narrativa familiar sincera en la que tanto la alegría como el dolor tienen cabida.

Traducción del poema de Annachiara Ramalho: “No me busques a tu alrededor, no me encontrarías. Encuéntrame en tus pensamientos, veme en tus ojos, siénteme en tu corazón, escúchame en tus palabras. No te he abandonado. No te he olvidado. Estoy viviendo junto a ti esta nueva dimensión mía, te acompaño, te escucho, te hablo. Déjate amar. Aprende a escuchar en ti este nuevo mundo mío. No te he abandonado, te he solamente precedido para amarte más”.

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Clàudia Castelló Guàrdia (Lleida, 1993) es la tercera en este fabuloso trío de exalumnos míos que participan con obra en esta exposición (tercera porque he seguido el orden en el que aparecen en el dossier de prensa, pero que conste que los tres tienen un puesto principal para mí). Clàudia Castelló es Graduada en Bellas Artes por la Universitat de
Barcelona (2015) y, según su propia presentación en la exposición, se ha especializado en la utilidad del arte como terapia. Actualmente imparte clases de Body Positive (movimiento contemporáneo para la aceptación de la diversidad de cuerpos) en la asignatura de Cultura Audiovisual de Bachillerato dentro de las prácticas del Máster de Formación del Profesorado de Educación Secundaria y Bachillerato en la especialidad de Dibujo.

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RE(CONSTRUCCIÓ) DE LA MEMÒRIA es un proyecto fotográfico en el que se combina la fotografía con un arte considerado como femenino durante muchos siglos, como es la costura. Las puntadas visiblemente trabajadas en colores llamativos materializan la fragmentación del recuerdo y la memoria. Como se explica en el dossier de la exposición: “A menudo, cuando nos encontramos frente a una imagen de la etapa de nuestra infancia en el álbum familiar, nos invade una sensación de no pertenencia a aquel momento inmortalizado. En otros momentos, tenemos un recuerdo difuso que puede no corresponderse con la realidad. A partir de este proyecto, me propongo trabajar la relación entre la memoria y el olvido como si de un puzle se tratase, forzando así a encajar aquellos paisajes o rostros desaparecidos en un nuevo relato para (Re)construir la memoria”.

Y… ahora vamos con los otros dos estupendísimos exalumnos de nuestra facultad que exponen porque su obra también se ha ganado, por méritos propios, un lugar en Exhibit 2016. Mis felicitaciones también para ellos.

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Marta Company Soler (Palma de Mallorca, 1993) Al finalizar el bachillerato artístico, fue seleccionada en la convocatoria DKV Fresh Art, gracias a la cual pasó una semana en Valencia trabajando en un proyecto artístico. Se trasladó a Barcelona en 2011 para iniciar sus estudios en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, donde se especializa en grabado y, sobre todo, en impresión digital y edición, centrándose en temas como la memoria, la identidad, el lenguaje y las cartografías. Actualmente está cursando el Máster en Edición de la Barcelona School of Management – Universitat Pompeu Fabra.

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ERROR + CUANDO HACE SOL
La autora comenta que estos proyectos, como casi todos los que ha realizado, se basan en una experiencia personal. En este caso, el diagnóstico de la enfermedad de Alzheimer a su abuelo, Miquel Company, hace unos años. Como la propia autora explica, este mal afecta directamente a la memoria y, con ella, a la capacidad de reconocer personas o lugares, al lenguaje y, por último, a nuestra identidad o personalidad cuando se han minado todas sus bases a través de la memoria y el recuerdo. En palabras de Marta Company: “A medida que la enfermedad avanzaba mi abuelo dejó de ser mi abuelo. Pasó de ser una persona extrovertida, inquieta y habladora a una persona callada, introvertida, frágil y muy dependiente. Este hecho me afectó porque siempre habíamos tenido una relación muy estrecha. Pintor aficionado, gran acuarelista, fue como un héroe para mí cuando era pequeña. Fue él quien me enseñó a pintar. A partir de esto nació Error”.

«Error» es un proyecto fotográfico que, por medio de  errores informáticos o glitch, altera la información interna de los archivos para establecer metáforas visuales que nos acerquen a la realidad que viven las personas afectadas por el Alzheimer. Las imágenes representan la vida cotidiana y la identidad del protagonista mientras los primeros recuerdos se pierden. Para visualizar esa degeneración progresiva de la enfermedad, las imágenes van teniendo cada vez más fallos visuales generados por la inclusión dentro del lenguage php del archivo, de frases relativas a la enfermedad. Cuanto más texto relacionado a los síntomas y pérdidas de la enfermedad se incluye en el código del archivo, más se materializa la fragmentación del recuerdo, de la identidad e incluso de la capacidad de reconocimiento en la imagen. De este modo, la experiencia de su abuelo sirve de vehículo para hablar de la enfermedad y sus problemas en general.

Por otro lado, «Cuando hace sol»es una aproximación a la misma enfermedad pero desde la subjetividad de los afectados. Como se explica en el dossier de la exposición: “Cada narración es única y específica de la persona retratada, estableciendo relaciones entre lenguaje e identidad. Los cambios en las capacidades lingüísticas ayudan a configurar un retrato de la persona que al mismo tiempo nos hace tomar consciencia del gran peso que la memoria tiene en nuestras vidas”. Este proyecto se basa en la relación: lenguaje, identidad y memoria, con el caso concreto de 2 personas. Como la propia autora explica: “Ángeles, una mujer andaluza de 84 años en un estadio temprano de la enfermedad, y mi abuelo, Miquel, que se encontraba en un estadio más avanzado. En un inicio, hice un esquema de los principales síntomas que provoca en el lenguaje la enfermedad y los iba relacionando con Ángeles y con mi abuelo, y centrándome en los rasgos que a ellos los distinguían”.

Para este proyecto fueron necesarias muchas visitas a ambos protagonistas y la grabación de vídeos y audios de las conversaciones con ellos. Estas grabaciones fueron tratadas como textos que se pudieran incluir junto a las imágenes como objeto visual en sí mismo jugando a su vez con “los tamaños, superposiciones, opacidad y silencios. Intentar imitar su forma de hablar a partir de poesías visuales. Con los vídeos, empecé a trabajar los fotogramas de la misma forma que los estaba haciendo con los textos. El objetivo era que la imagen y la conversación se hallaran correlacionadas, que a través de las imágenes también se pudieran ver estos cambios en el lenguaje, que pasaran a convertirse en un elemento más de la narración”. Finalmente, la materialización final del proyecto es en forma de largas tiras de secuencias visuales. La autora resumen en estas palabras sus conclusiones con ambos trabajos: “Podemos concluir diciendo todo lo que somos, lo que nos identifica, lo que nos hace únicos y diferentes al resto, lo que nos une a una época y a un lugar concreto está en estrecha relación con lo que recordamos. Cuando paulatinamente vamos perdiendo esta noción de uno mismo que se ha ido construyendo con los años, como en el caso del Alzheimer, puede cambiar nuestra personalidad, nuestra forma de relacionarnos y comunicarnos, la construcción de nosotros mismos. Y entonces, ¿Qué queda? ¿Cómo podemos saber qué queda de la persona cuando ésta ha perdido las habilidades lingüísticas para expresarlo? ¿Hay algo que se mantiene en esta destrucción de la mente? Para mí, la respuesta a estas preguntas, el último gran paso es aceptar lo que hay y lo que son y seguir adelante. Apreciar las pequeñas cosas que hace el enfermo que te recuerdan a la persona que admirabas con 6 años, aunque sea la forma en la que pela una naranja. Porque puede ser que la identidad de mi abuelo no siga viva en su memoria, pero sí en la mía”.

 

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El siguiente es otro trabajo relacionado con la representación visual de la enfermedad. Laura Solano (Barcelona, 1993): Grado en Bellas Artes (UB), Curso de Profesionalidad en Impresión Digital (Escola Antoni Alguerò) y Curso de Especialización en Teatro y Espectáculos (IEFC). Sobre su obra, Laura Solano comenta: “Mis trabajos se mueven alrededor de la fotografía y la edición impresa. El foco de interés conceptual parte de la experimentación e investigación de lenguajes específicos, como el científico o tecnológico. Partiendo de este tipo de lenguajes, mi intención no es descifrar y descodificar un lenguaje que no entiendo, sino generar relaciones entre lo comprensible y el código, ya sea utilizando la fotografía como herramienta o simplemente el texto. De este modo, me planteo el lenguaje como un campo en el que poder jugar y plantear otros tipos de lectura”.

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ÍTEMS: Como se comenta en el dossier de la exposición: “Ítems es un proyecto fotográfico basado en el documento y la imagen médica como reconstrucción del recuerdo. Éste se basa en la construcción de un relato que se mueve entre el recuerdo de lo vivido, la documentación científico-médica de éste y la huella en el presente”.

Comenta la autora que, entendiendo Ítem como “la unidad de un conjunto”, se presenta como una serie de fotografías que exponen fragmentaria y codificadamente una experiencia vivida. La intención parece ser más la de indagar en el propio proceso de recordar que en la narración de las experiencias. Para la instalación se emplean dos cajas de luz colgadas y un archivador en el que está todo el material fotográfico del proyecto (imágenes de documentos, materiales médicos o fotografías realizadas hace un año y modificadas digitalmente) sin orden concreto, con una narrativa “no-lineal”.
A la autora le interesa el proceso de deterioro de la imagen mental, de experiencias pasadas y en sus palabras: “Ítems se basa en un momento concreto y delicado, mucho más emocional que racional, sin embargo, éste se racionaliza a medida que el recuerdo se aleja del presente. El uso de material médico (documentos e imágenes originales) me permite desarrollar el proyecto desde una mirada alejada a la mía, desde una perspectiva fría y distante, que se basa en el análisis detallado y codificado. De este modo, la investigación se basa en la recuperación de un material o registro para usarlo como la reconstrucción de una experiencia”.

Sin embargo, la autora aclara que en la instalación no se muestran documentos o imágenes médicas “reales” sino la captación visual del cambio del cuerpo durante un lapso de tiempo determinado. En palabras de Laura Solano: “Me interesa poner énfasis en la transformación, la maduración del cuerpo y cómo este proceso es representado mediante un lenguaje específico. Por este motivo juego con la fotografía ficticia, las fotografías realizadas a posteriori sobre el mismo cuerpo acogen la estética y forma de una resonancia. De esta forma la narración se vuelve dispersa y confusa, ya que las fotografías hechas posteriormente pretenden jugar con el mismo hándicap de la fotografía en sí, su fiabilidad o credibilidad. La fotografía médica juega con este papel de realidad incuestionable, al igual que su lenguaje, pese a que no seamos capaces de percibirlo o comprenderlo. Algunas de las fotografías hechas por mí juegan con el hecho de recordar o interpretar cómo podía verse el cuerpo desde dentro, qué textura podía parecerse a un tejido u órgano interno. El hecho de acoger la estética médica hace que el significado se transforme, poniendo
en duda el papel de lo visual y cuestionando aquello que somos capaces de percibir y
comprender. Así, el planteamiento se basa en la reflexión de la imagen como visible de lo
real. El archivo médico me sirve como elemento de unión entre todas las fotografías y partes del trabajo, me ayuda a cerrar la instalación y me permite presentar de forma
desordenada y manipulable todo el material. En un historial médico se espera encontrar una información detallada de lo sucedido, sin embargo, en el proyecto, pese que hay una manipulación y una intención de búsqueda claramente reflejada, el resultado no te lleva a entender qué ha pasado en concreto. Por este motivo, la estructura planteada pretende jugar con los sistemas de representación que marcan la credibilidad de un documento o imagen”.

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Mateo Pérez ha estudiado el Grado de Bellas Artes en la Universitat de Barcelona.

AMIGOS: Este proyecto, según comenta su autor: “parte de una situación de descontento en relación con la situación social actual, en la que el espacio público se convierte en un lugar de tránsito y consumo, que el ciudadano no puede hacer suyo. Con la intención de hacer visible la posibilidad de alternativas cotidianas que se sitúen fuera de este circuito de mercantilización de la ciudad llevo a cabo tres acciones con mi grupo de amigos siguiendo pautas inspiradas en los happening de Allan Kaprow, mezclando la práctica artística con la vida real. El material producido durante los tres eventos: una calçotada, una paxanga de fútbol y una excursión al monte, se recoge en tres ediciones diferentes, compuestas por la
documentación fotográfica fruto del evento, facsímiles y diversos objetos relacionados
con las actividades realizadas”.

De este modo, este trabajo poco ortodoxo que combina técnicas artísticas con la más pura vida cotidiana reinventada para un proyecto artístico, pretende visibilizar la posibilidad de generar alternativas cotidianas de ocio fuera del circuito de las industrias dedicadas al tiempo y libre y al consumismo. Para consegir este fin casi cualquier elemento es posible. Como se explica en el dossier de la exposición: “A través de dichos elementos; utilizando un lenguaje que se vale de la forma de los objetos como un signo en sí mismo, para referirme a la construcción de imaginarios de amistad, juventud y entretenimiento, busco hacer visible la posibilidad de disfrutar del espacio público, a través de una actitud que no intenta luchar contra el sistema sino que lo ignora”.

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Mis felicitaciones a todos los participantes en la exposición y también a todos aquellos que fueron preseleccionados pero que por motivos personales o profesionales (algunos de nuestros exalumnos continúan su carrera en el extranjero) no han podido estar presentes. Que sigan los éxitos… ¡y que la fuerza os acompañe!